Nghệ sĩ người Mỹ gốc Á tiên phong mà bạn cần biết tên (Phần 5)

Khi Tháng Lịch sử Người Mỹ gốc Á và Người dân các đảo Thái Bình Dương dần khép lại, đây là dịp quan trọng để nhìn lại và ghi nhận những đóng góp to lớn của các nghệ sĩ, kiến trúc sư, nhà sưu tập và nhà hoạt động thuộc cộng đồng AAPI – những người đã làm thay đổi dòng chảy của lịch sử nghệ thuật không chỉ tại Hoa Kỳ mà còn trên toàn thế giới.

Dưới đây là danh sách 25 nghệ sĩ gốc Á và người dân các đảo Thái Bình Dương đã để lại dấu ấn sâu đậm trong nghệ thuật hiện đại và đương đại – với những tác phẩm trải dài trên nhiều chất liệu, phong cách và trào lưu nghệ thuật khác nhau.

Sarah Sze (1969–)

Sarah Sze là một trong những nghệ sĩ sắp đặt quan trọng nhất của thế kỷ 21—một người biến những vật thể tầm thường như dây điện, giấy dán, chai nhựa, thậm chí là bụi, thành những cấu trúc không gian choáng ngợp, vừa như đang xây dựng, vừa như sắp tan biến. Sinh ra trong một gia đình người Mỹ gốc Á lâu đời—nơi ông cố là sinh viên Trung Quốc đầu tiên của Đại học Cornell và cha là kiến trúc sư—Sze từng theo học ngành kiến trúc trước khi tìm thấy tiếng nói riêng trong nghệ thuật.

Tác phẩm của cô là sự đan xen giữa trật tự và hỗn loạn, giữa khoa học và thơ ca. Cô không chỉ sắp xếp không gian, cô “dệt” thời gian bằng vật thể. Những cài đặt quy mô lớn của cô đã đưa cô vào các kỳ triển lãm danh giá như Venice Biennale, Whitney Biennial, và mang về học bổng MacArthur danh giá.

Với các giám tuyển bộ sưu tập nghệ thuật, Sarah Sze là một cái tên không thể thiếu—bởi cô không chỉ tạo nên tác phẩm, cô tạo nên thế giới, và đặt người xem vào giữa dòng chảy thời gian mà họ không ngờ mình đang trôi qua.

Anicka Yi (1971–)

Anicka Yi bước vào thế giới nghệ thuật không theo lối mòn—không có nền tảng chính quy, không đến từ một “trường phái”, nhưng lại sở hữu một tầm nhìn độc đáo đến khó cưỡng. Sinh ra ở Hàn Quốc và lớn lên trong môi trường ngập tràn khoa học, mẹ cô là nhân viên trong ngành y sinh, Yi mang theo vào nghệ thuật mình cả thế giới vi sinh, mùi hương và xúc giác.

Tác phẩm của cô là những trải nghiệm giác quan đầy bất ngờ—vi khuẩn được nuôi cấy từ con người, da nhân tạo từ kombucha, những đài hoa phát sáng và không gian có thể… ngửi thấy được. Cô gọi hướng đi của mình là “sinh học chính trị của các giác quan”—nơi cơ thể, ký ức và cảm nhận gặp nhau trong một sự lay động không lời.

Không chỉ thách thức những định nghĩa truyền thống về nghệ thuật thị giác, Yi khiến các giám tuyển bộ sưu tập nghệ thuật phải mở rộng góc nhìn: tác phẩm không chỉ để xem, mà để cảm, để ngửi, để trải nghiệm bằng chính cơ thể. Và đó là điều làm nên sự khác biệt.

Josh Kline (1979–)

Josh Kline là nghệ sĩ của thời đại hậu công nghiệp—người mang đến cho nghệ thuật đương đại một ngôn ngữ mới để nói về công nghệ, lao động và tương lai bị đe dọa. Trong những sắp đặt đa phương tiện quy mô lớn, Kline dựng nên những viễn cảnh dystopia: con người bị thay thế bởi AI, giấc mơ Mỹ sụp đổ, và những cuộc đời bị nghiền nát bởi guồng quay tư bản.

Lớn lên trong một gia đình nhập cư nơi cả cha và mẹ đều từng là nhà khoa học nhưng phải lao động tay chân để mưu sinh, Kline thấu hiểu sâu sắc sự mong manh của tầng lớp trung lưu. Tác phẩm Thất nghiệp (2016) của ông—với những mô hình người thật bọc trong túi nilon, như bị đóng gói để… loại bỏ—trở nên ám ảnh hơn bao giờ hết trong bối cảnh hiện nay.

Giới giám tuyển bộ sưu tập nghệ thuật xem Kline như một nhà tiên tri đương đại, không vì ông đoán trước được tương lai, mà vì ông dám vẽ ra sự thật mà nhiều người không muốn đối mặt.

Wu Tsang (1982–)

Wu Tsang là nghệ sĩ của những khoảng giữa—giữa giới, giữa văn hóa, giữa hình thức. Sinh ra tại Mỹ, sống tại Zurich, là con của một người mẹ da trắng và một người cha Trung Quốc không truyền dạy ngôn ngữ gốc, Tsang lớn lên trong không gian “dịch sai”—nơi cô không thể gọi tên bản thân mình theo chuẩn mực nào, và chính điều đó trở thành sức mạnh nghệ thuật của cô.

Thông qua trình diễn, phim ảnh và sắp đặt, Tsang khám phá sự trung gian—khi mọi danh tính đều là quá trình, chứ không phải kết quả. Anthem (2021), video trình chiếu khổng lồ tại Guggenheim, là một bản thánh ca tôn vinh giọng hát và tinh thần của nghệ sĩ chuyển giới Beverly Glenn-Copeland, khiến cả không gian bảo tàng trở thành một cơ thể cộng hưởng.

Với các giám tuyển bộ sưu tập nghệ thuật, Wu Tsang không chỉ mang đến tác phẩm—cô mang đến một cách nhìn mới về tồn tại, nơi cái đẹp không nằm trong sự rõ ràng, mà nằm trong sự giao thoa.

Salman Toor (1983–)

Salman Toor vẽ nên những giấc mơ xanh ngọc của người đồng tính Nam Á tại Mỹ—vừa thơ mộng, vừa cô đơn, vừa sống động vừa mong manh. Sinh ra ở Lahore, Pakistan, Toor đến Mỹ để học vẽ và từ đó, tạo nên một thế giới riêng: những chàng trai tóc xoăn trong phòng khách, ánh đèn đêm, điện thoại rơi vãi và đôi mắt như chờ một lời thì thầm.

Màu xanh lục bảo mà Toor ưa dùng là thứ ánh sáng nội tâm—một cách để anh “nhuộm” thế giới bằng cảm xúc của mình. Những nhân vật của anh là người lạ quen thuộc: họ là chính anh, là bạn bè, là cộng đồng queer Nam Á chưa từng được thấy trên tranh vẽ.

Không ngạc nhiên khi Bảo tàng Frick đặt Toor bên cạnh Vermeer trong triển lãm Living Histories. Và cũng không lạ khi giám tuyển bộ sưu tập nghệ thuật tại Baltimore, Tampa, Honolulu đều tìm thấy trong tranh anh một tiếng nói dịu dàng, nhưng không thể bị phớt lờ—một tuyên ngôn về tình yêu, bản sắc và sự tồn tại dị biệt.

Xem tiếp phần 1

Xem tiếp phần 2

Xem tiếp phần 3

Xem tiếp phần 4

Biên dịch: Phương Anh

Nguồn: Artnews