Lịch sử tranh chân dung tự họa: Từ Phục hưng đến những bức ảnh ‘tự sướng’ (Phần 3)

Những bức tranh tự họa của Albrecht Dürer
Bức chân dung tự họa của Albrecht Dürer từ năm 1500, có tên đầy đủ là “Bức chân dung tự họa năm 28 tuổi mặc áo khoác cổ lông” (tiếng Đức: “Selbstbildnis im Pelzrock”) là một ví dụ điển hình cho một bức tự họa với một tuyên bố mạnh mẽ. Bức chân dung tự họa này không phải là bức tự họa đầu tiên của Dürer — khi mới 13 tuổi, ông đã tạo ra một bức chân dung tự họa, được vẽ bằng bút bạc. Bức chân dung này - được theo sau bởi một loạt các bức tự họa khác - với các kỹ thuật khác nhau như bút mực và mực nâu sẫm, sơn dầu trên giấy da và sơn dầu trên bảng gỗ. Tất cả những tác phẩm trước đây đều có chất lượng nhất định giống như những bức ảnh selfie ngày nay vì chúng trông giống như một số khoảnh khắc được chụp ngẫu nhiên. 

Bức tranh chân dung tự họa của Dürer từ năm 1493, sơn dầu trên giấy da được vẽ trên vải toan. (B) Bức chân dung của Dürer từ năm 1498, dầu trên bảng điều khiển. Trong một số ấn phẩm, hai bức tranh còn được đặt tên là Louver Self-Portrait (1493) và Prado Self Portrait (1498); giống như bức chân dung nổi tiếng nhất của Leonardo về nàng Mona Lisa, hai bảo tàng này chia sẻ hai phiên bản vẽ của cùng một người (xem Carbon và Hesslinger, 2015).

So với đặc điểm tự nhiên và sống động của các bức chân dung trước đó do sự kết hợp giữa góc nhìn và giao tiếp thị giác trực tiếp với người xem, bức chân dung tự họa của Dürer từ năm 1500 — được sáng tác như một bức chân dung chính diện — rõ ràng là ít mang tính ‘tự sướng’ hơn. Tuy nhiên, xét về cốt lõi mang tính biểu tượng hoặc giao tiếp, tác phẩm có thể được gọi là dự đoán về ảnh selfie hiện đại. Trước hết, Dürer muốn nói rõ rằng ông không chỉ là một họa sĩ, mà ông thuộc về một lớp người nhất định (Koerner, 1990) — những bức ảnh tự chụp đương đại được sử dụng để thể hiện những tuyên bố tương tự: những người thích chụp ảnh tự sướng muốn giới thiệu họ là những người độc đáo và khác biệt, nếu không sẽ không có ý nghĩa gì nếu họ tự miêu tả bản thân mà không bị bắt buộc phải làm như vậy. Dürer nhấn mạnh thông điệp của mình cho người nhận bằng cách sử dụng một số đồ dùng có địa vị cao, ví dụ: cổ áo của anh ấy được làm bằng lông chồn, vốn chỉ được mặc bởi giới thượng lưu trong Đế quốc La Mã vào những ngày đó, và thậm chí ngụ ý rằng người mặc được bầu chọn bởi hội đồng thành phố (Bulst và cộng sự, 2002). Điều thú vị là, Dürer không giàu có cũng như không chính thức thuộc giới thượng lưu của Nuremberg khi thực hiện bức tranh này (Zitzlsperger, 2012). Thành công kinh tế của ông thực sự chỉ bắt đầu sau chuyến thăm lần thứ hai đến Venice vào năm 1506 (Eaton, 1882).
Cho đến thời kỳ Phục hưng, các họa sĩ - nghệ sĩ nói chung - không có uy tín cụ thể, bởi vì sự tách biệt giữa thợ thủ công và nghệ sĩ vẫn chưa được thiết lập một cách vững chắc. Nền tảng cơ bản cho quá trình giải phóng này được đặt ra bởi cuốn sách có ảnh hưởng của Alberti về kiến ​​trúc (Re Aedificatoria, tức là “Về nghệ thuật xây dựng,” hoàn thành năm 1452), trong đó đưa ra các khái niệm về nghệ thuật phụ và nghệ thuật chính (Alberti, 1988). Ở Đức, quá trình giải phóng này diễn ra lâu hơn một chút và Dürer là một trong những nhân vật chính nổi bật, cuối cùng đã phá bỏ quy ước rằng những người tạo ra nghệ thuật chỉ là một loại thợ thủ công khác. Trên thực tế, anh ấy đã đưa ra ý tưởng rằng các tác phẩm nghệ thuật của anh ấy được tạo ra bởi những bàn tay phi thường, được dẫn dắt bởi một bộ óc tài tình và được truyền cảm hứng từ những ý tưởng được gửi đến từ thiên thượng (Hall, 2014). Với Dürer, “người đàn ông thời Phục hưng” tài tình, một nghệ sĩ chân chính và thuần khiết với hào quang của một siêu sao, đã bước vào Bắc bán cầu. Khát vọng của anh ấy đã được thể hiện trong bức chân dung tự họa mang tính biểu tượng cao của anh ấy được ký “1500 sau Công nguyên” đã giữ được chất lượng (siêu) sống động của nó qua nhiều thế kỷ và vẫn còn gây ấn tượng mạnh với chúng ta ngày nay.
Các tài liệu tham khảo về tôn giáo đã có thể được tìm thấy trong bức chân dung tự họa năm 1493 của Dürer, nơi ông cầm một cây Eryngium (cây kế), một tham chiếu rõ ràng về cuộc - khổ nạn của Chúa Kitô (Zirpolo, 2008). Tuy nhiên, bức chân dung tự họa 1500 còn tiến thêm một bước quan trọng: ở đây, Dürer không tự hài lòng với việc chỉ nhắc đến Chúa Kitô nữa, mà hoàn toàn biến mình thành một bức tranh miêu tả về Chúa Kitô. Đồng thời, những lọn tóc vàng đầy phong cách của anh ấy, được sắp xếp đối xứng, ánh mắt bí ẩn của ông ấy biểu thị sự hiện diện (nhìn thẳng vào người xem) và siêu việt (nhìn qua người xem về phía vô cực), và cử chỉ tay trang nghiêm của ông ám chỉ cử chỉ được biết đến từ hình tượng Cơ đốc giáo sơ khai (Koerner, 1990) nhấn mạnh vị thế phi thường của ông. Dürer, là một thiên tài, một nhà sáng tạo thực sự được giới thiệu với thế giới trong bức chân dung tự họa này. Ở đây, chúng ta là người sáng tạo cuối cùng. Công việc của anh ấy không phải về hội họa, mà là sáng tạo. Điều quan tìm thấy Dürer trong truyền thống của nghệ sĩ divino, nghệ sĩ tạo ra giống như Chúa, việc Dürer đề cập đến Đức Chúa Trời hoàn toàn không phải được giải thích theo nghĩa báng bổ, mà theo cách hiểu thực sự của Cơ đốc nhân về việc tạo dựng, thay mặt cho Đức Chúa Trời và do đó để tiếp tục quá trình tạo dựng ban đầu của Ngài như một hình ảnh và người đại diện của chính Đức Chúa Trời.

Dürer tiếp tục tăng cường thông điệp về bức chân dung tự họa 1500 của mình bằng cách đặt dấu hiệu rõ ràng về quyền tác giả trong vùng tiêu điểm chính của bức tranh ngang tầm mắt: ở bên trái đầu, anh định vị chữ ký của mình, ở bên phải, anh thêm đủ điều kiện rằng bức chân dung đó là về chính anh ta và nó có chất lượng vĩnh cửu (“Tôi, Albrecht Dürer của Nuremberg, đã khắc họa bản thân mình bằng màu sắc vĩnh cửu ở tuổi 28”; dòng chữ Latinh nguyên bản: “Albertus Durerus Noricus/ipsum me propriis sic effin/gebam coloribus aetatis/anno XXVIII ”). Việc ký tên vào một bức tranh và đề cập đến một nghệ sĩ cụ thể không phải là rất phổ biến vào khoảng năm 1500. Hơn nữa, ký tên bằng một chữ lồng có chất lượng đặc biệt của Albrecht Dürer thậm chí còn là một tuyên bố về tầm quan trọng của nghệ sĩ; Dürer đã thiết kế một trong những logo công ty đầu tiên trong lịch sử thế giới với một chữ lồng khá đơn giản, nhưng rất dễ nhận biết và dễ ghi nhớ, chỉ bao gồm hai chữ cái: A và D, mang đến một sự mơ hồ thú vị vì nó là viết tắt của A [lbrecht] D [ürer], mà còn đối với A [nno] D [omini], “năm của Chúa”. Một lần nữa, điều này chỉ ra mối liên hệ trực tiếp giữa Dürer và Chúa (Koerner, 1990).

Hình 4. Chữ lồng của Albrecht Dürer mà ông đã sử dụng từ khoảng năm 1497,  bắt nguồn từ năm 1498.  

Động cơ, biểu tượng và những lời nhắn nhủ của ảnh tự sướng và chân dung tự họa của họa sĩ.
Như đã nói ở trên, tranh tự họa và selfie có điểm chung là cả hai đều được sinh ra từ suy nghĩ hoặc mong muốn đóng băng những khoảnh khắc đầy ý nghĩa của cuộc sống. Với chụp ảnh selfie, người ta được nhìn vào những khuôn mặt và những mảnh cuộc sống đầy hiện hữu. Nói cách khác: Chụp ảnh selfie khá đa diện, từ “chân dung tự họa cổ điển” chỉ hiển thị khuôn mặt của chính mình trên “Ảnh tự chụp trang phục” đến “Ảnh tự chụp bằng máy ảnh”, v.v. 

Bảng 1. Tổng quan về các kiểu selfie điển hình, bao gồm một đặc điểm ngắn gọn và các mục đích chính thường thấy ở những người chụp ảnh selfie.

 
Rõ ràng là bất kỳ loại chân dung tự họa nào cũng là một sự tự nghiên cứu chính mình và có khả năng ghi lại một khoảnh khắc nào đó của cuộc đời. Ảnh tự chụp thường được đánh dấu bằng cách giả vờ (bổ sung) là chân thực. Vì vậy, những người miêu tả chính họ trên ảnh tự chụp thường khiến chúng ta tin rằng bức ảnh được chụp tình cờ và ngay lập tức, mặc dù nhiều tình huống được bắt đầu bằng trực giác chỉ vì mục đích chụp ảnh tự sướng. Những người thích chụp ảnh tự sướng thường muốn truyền tải một hình ảnh cụ thể về bản thân họ, một hình ảnh khá khoa trương, mang tính phục vụ bản thân và thực sự khác xa với sự hiện thực. Do đó, một số tư thế nào đó để trông thon gọn hơn hoặc các hướng máy ảnh từ trên cao chẳng hạn. 
 
(A) Việc tự thể hiện rõ ràng là giá trị cốt lõi của bất kỳ bức chân dung tự họa nào. Tại sao bạn nên vẽ một bức chân dung của chính mình, nếu bạn không muốn thể hiện chính mình? Việc tự thể hiện là ý tưởng rằng người được miêu tả là khác biệt, độc đáo, đặc biệt về một đặc điểm tính cách — đôi khi mọi người chỉ muốn truyền đạt thông tin về tâm trạng hiện tại của họ, hoặc trạng thái cảm xúc và nhận thức của họ. Chắc chắn, những bức chân dung tự họa không thể cung cấp nhiều cung bậc như vậy trong cuộc sống, chỉ vì việc tạo ra những bức tranh rất tốn công sức và tốn kém. Theo đó, chúng thường đề cập đến các trường hợp bất thường, đặc biệt quan trọng hoặc đặc trưng. Ví dụ, các bức chân dung tự họa thể hiện hoặc tượng trưng cho những cảm xúc tôn giáo sâu sắc, sự suy ngẫm về điều gì đó quan trọng hoặc suy nghĩ về một vấn đề đặc biệt của nghệ sĩ tự vẽ. Tuy nhiên, những bức chân dung tự họa khác lại tập trung vào những khoảnh khắc biến động nhất định của cuộc sống, hoặc thể hiện một tâm trạng nhất định như trong “Chân dung tự họa với đèn lồng Trung Hoa” của Egon Schiele từ năm 1918 hoặc “Chân dung tự họa với thể chất” của ông từ năm 1912. Như đã được trình bày, Dürer là một bậc thầy về việc thể hiện bản thân. Điều thú vị là ông không lý tưởng hóa hình dáng bên ngoài cụ thể của mình trong các bức chân dung tự họa, mà mô tả nó, trái ngược với truyền thống Phục hưng của Ý (Koerner, 1990), theo một cách siêu thực tế. Điều mà anh ấy thực sự lý tưởng hóa trong việc thể hiện bản thân, là ý nghĩa và địa vị đặc biệt của anh ấy. Và điều này không quá khác biệt so với nhiều kiểu selfie mà nhân vật chính cố gắng nhấn mạnh hoặc khuếch đại một số đặc tính tính cách hoặc các tình huống cụ thể.
 
(B) Việc tự miêu tả cũng nhằm việc ghi lại một hiện trạng nhất định. Trong thời hiện đại, nghiên cứu này thường được thực hiện bằng cách đề cập đến những thành tựu nhất định, bằng cách sử dụng biểu tượng: như việc đội mũ tốt nghiệp thể hiện sự thành công của lễ tốt nghiệp  chẳng hạn. Trong các bức tranh, chúng ta có thể thấy những nỗ lực tư liệu tương tự, mặc dù một lần nữa ngưỡng cho một sự kiện được vẽ như một phần của bức chân dung tự họa tất nhiên cao hơn nhiều, ví dụ như đã vượt qua dãy Alps trong trường hợp bức chân dung tự họa của Dürer từ năm 1498 ( xem Hình 3B), hoặc trở thành thành viên của một vòng kết nối độc quyền, chẳng hạn như “Bức chân dung tự họa với bảng màu” của Thérèse Schwartze từ năm 1888, hoặc đang ở trong trạng thái cực đoan về thể chất hoặc tâm lý như Van Gogh trong “Chân dung tự họa với tai được băng bó ” từ năm 1889 sau khi cắt một phần tai. Một trường hợp cực đoan khác là bức “Bức chân dung tự họa với chân dung của Tiến sĩ Farill” do Frida Kahlo vẽ vào năm 1951, trong đó cô mô tả bản thân bị giam cầm trong một chiếc xe lăn - bức tranh còn được coi là bức cuối cùng mà cô từng ký.
 
(C) Mục đích thể hiện hiệu suất trong một bức chân dung tự họa chắc chắn có mối liên hệ chặt chẽ với các thể loại đã nói ở trên, nhưng tập trung nhiều hơn vào các khía cạnh năng lực và khả năng của nghệ sĩ. Bên cạnh một số bức vẽ chân dung nghệ sĩ trong tình trạng đang vẽ tranh, ví dụ như bức “Chân dung tự chụp trước giá vẽ” của Van Gogh từ năm 1888 (xem “Ảnh tự chụp tự sướng” trong Bảng 1), dường như là tương đối hiếm trong lịch sử nghệ thuật. Lý do chính cho điều này có thể là thực tế rõ ràng rằng các họa sĩ biểu diễn cốt lõi thể hiện là hội họa, kết quả của tác phẩm của họ, bức chân dung tự họa, thường là bằng chứng đầy đủ cho năng suất của họ. Ví dụ, Velázquez mô tả bản thân khi vẽ gia đình hoàng gia trong kiệt tác “Las Meninas” từ năm 1656 hoặc bức tranh của Vermeer có khả năng vẽ chân dung ông từ phía sau có tựa đề “Nghệ thuật bức tranh” từ năm 1666 (xem Hall, 2014). Ở đây chúng ta quan sát một họa sĩ trong xưởng vẽ của anh ấy vẽ người mẫu cũng được mô tả trong bức tranh. Một ví dụ khác được tạo ra bởi René Magritte. Trong tác phẩm “Cố gắng điều không thể” (1928), ông tự vẽ mình khi đang vẽ một phụ nữ khỏa thân ở kích thước thật — điều thú vị là bức tranh hấp dẫn này đã được đăng trên tạp chí Siêu thực của Bỉ, Variétés với mô tả giống như một bức ảnh tự sướng về người họa sĩ trước bức tranh. Tất nhiên cũng có một số bức chân dung tự họa thú vị với các khía cạnh bộc lộ khác bên cạnh hội họa, chẳng hạn như bức “Tamara in a Green Bugatti” của Tamara de Lempicka, được tạo ra vào năm 1929, cho thấy cô ấy đang lái xe nhanh trong một chiếc xe thể thao, hoặc “Chân dung tự họa bằng còi” (1938) nơi Max Beckmann vẽ mình như một nhạc sĩ. Các trường hợp khác, thậm chí phức tạp hơn, trong đó "chân dung tự họa" được sáng tác theo cách mà chúng chỉ hiển thị một số bộ phận trên cơ thể của nghệ sĩ mà cũng sẽ được nhận thức một cách tự nhiên khi theo đúng góc nhìn. Robert Pepperell, người đã tạo ra một số ví dụ điển hình - trong đó anh ta phân tích các tri giác của chính mình, chẳng hạn, bằng cách hiển thị nội thất của căn phòng cộng với bàn chân của nghệ sĩ khi đang nằm, trên một chiếc ghế dài và nội thất của căn phòng (Robert Pepperell: “Tự nhìn bằng chân sau Mach” vẽ năm 2012).
 
Tóm lại, mặc dù ảnh tự chụp đương đại rõ ràng được tạo ra với tần suất cao và thường khá ngẫu nhiên, chúng nhằm mục đích cung cấp những thông điệp tương tự và thể hiện những kiểu biểu đạt tương tự như những bức chân dung tự họa từ lĩnh vực hội họa nghệ thuật đã làm trong nhiều thế kỷ. Chúng tiết lộ điều gì đó về đấng sáng tạo nói riêng, nhưng cũng là điều gì đó về con người nói chung. Con người muốn ghi lại cuộc sống của họ, tính cách của họ, bề ngoài của họ, và đôi khi, tâm trạng, cảm xúc hoặc nhận thức của họ. Đây cũng là một biểu hiện của bản chất xã hội của con người, mong muốn người khác chia sẻ kinh nghiệm của mình và đồng cảm với những kinh nghiệm này. Để truyền đạt điều này một cách hiệu quả, các tuyên bố thường được nâng cao. Bất kỳ hình thức tự chụp chân dung nào cũng phải cung cấp những thông tin đa chiều và phức tạp này ở một định dạng rất nhỏ gọn, chỉ trong một bức ảnh duy nhất. Việc chúng ta vẫn sử dụng một định dạng đơn giản như vậy, mặc dù việc chụp các cảnh động bằng những phương tiện hiện đại sẽ rất dễ dàng nhờ sự hỗ trợ kỹ thuật ngày nay. 

Nguồn: https://www.frontiersin.org/articles/10.3389/fpsyg.2017.00245/full

Biên dịch: Hưng
Biên tập: Ahndoar