Điều gì tạo nên một bức tranh tĩnh vật tuyệt vời?

Tranh tĩnh vật, hay còn được gọi là "nature morte" trong tiếng Pháp hoặc "still life" trong tiếng Anh, thực sự đã trải qua một lịch sử phê bình khá phức tạp và đa dạng. Đây là một thể loại nghệ thuật tập trung vào việc miêu tả các đối tượng tĩnh không phải là con người hoặc phong cảnh. Tuy vậy, mặc dù có sự đánh giá thấp hơn từ một số nhà phê bình và học giả nghệ thuật trong lịch sử, tranh tĩnh vật vẫn được nhiều người hoạ sĩ yêu thích và được công nhận về giá trị nghệ thuật của nó.

Trong lịch sử nghệ thuật châu Âu, tranh tĩnh vật thường không được coi là loại hình cao cấp nhất. Ví dụ như Andrea Sacchi, một họa sĩ người Ý thế kỷ 17, đã xếp tranh tĩnh vật sau tranh phong cảnh. Joshua Reynolds, chủ tịch sáng lập Học viện Hoàng gia năm Anh vào thế kỷ 18, cũng đánh giá nó thấp hơn so với tranh phong cảnh, chân dung và tranh lịch sử. Điều này có thể phần nào do tính chất của tranh tĩnh vật dường như không mang tính thần học sâu sắc hoặc không có tính thời sự. 

Edward Wadsworth, Khoảng thời gian tươi sáng , 1928. Được phép của Phòng trưng bày Nhà Pallant.

Mặc dù đã từng bị coi thấp hơn trong hệ thống phân cấp nghệ thuật phương Tây, tranh tĩnh vật ngày nay đã trở thành một phần không thể thiếu trong lịch sử nghệ thuật. Theo Édouard Manet, tranh tĩnh vật vẫn được xem là tiêu chuẩn của hội họa. Gần đây, thể loại này được ngưỡng mộ và tôn vinh trong nhiều cuộc triển lãm. Vào năm 2022, Louvre đã tổ chức triển lãm ấn tượng mang tên "Les Choses" ("Những điều"), tạo ra sự giao tiếp giữa các hoạ sĩ hiện tại và quá khứ trong lĩnh vực tranh tĩnh vật. Trên toàn thế giới, các không gian nghệ thuật như Hepworth Wakefield, Ben Brown Fine Arts và Gallery Henoch cũng đã tổ chức các triển lãm, giới thiệu những tác phẩm mới sôi động của các hoạ sĩ hiện đại, khám phá đời sống vật chất với sự phù hợp và đương đại.

"The Shape of Things" tại Pallant House Gallery chắc chắn là một trong những triển lãm toàn diện nhất hiện nay, với hơn 150 tác phẩm của hơn 100 hoạ sĩ được trưng bày. Đây là lần đầu tiên tại Anh mà một triển lãm lớn như vậy tập trung vào lịch sử của thể loại tranh tĩnh vật. Melanie Vandenbrouck, giám đốc triển lãm, đã chia sẻ: “Khi tương tác với các tác phẩm, cả quá khứ và hiện tại, điều gây ấn tượng với tôi là cách các hoạ sĩ sử dụng tranh tĩnh vật để thể hiện những khía cạnh sâu sắc nhất của con người. Sinh, tình yêu, mất mát, niềm vui, bạo lực; tất cả được thể hiện qua những vật thể trên bức tranh.”

Cornelia Parker, sinh năm 1956, Mặt tiền sụp đổ, 1991. Được phép của nghệ sĩ & Phòng trưng bày Phố Frith, Luân Đôn

Bức tranh "Hoa hồng, hoa bìm bìm và hoa cẩm chướng trên gờ đá cẩm thạch cùng vài quả nho" của Simon Pietersz Verelst, sáng tác khoảng năm 1700, được trưng bày trong phòng đầu tiên của triển lãm, mang đậm ý nghĩa biểu tượng và truyền tải sự hào phóng của sự sáng tạo của Chúa và sự tạm bợ của cuộc sống. Các hoa hồng và lá đã héo úa do ánh nắng, mỗi chi tiết mang đến nhiều ý nghĩa sâu sắc: hoa hồng biểu tượng cho tình yêu và Đức Trinh Nữ Maria, trong khi hoa cẩm chướng tượng trưng cho sự phục sinh và cuộc sống vĩnh cửu.

George Leslie Hunter, Tĩnh vật với quả dưa cắt, chiếc ly và chiếc quạt , c.1919/20. Được phép của Bộ sưu tập gia đình Cross.

Thường thì, những tác phẩm như thế này có khả năng tồn tại lâu dài nhờ khả năng mang đến cho người xem những giây phút thư giãn. Melanie Vandenbrouck nói: “Thể loại này về bản chất quan tâm đến sự quan sát chậm rãi và tỉ mỉ, giúp người xem có cơ hội tạm dừng lại.” Các nghệ sĩ đương đại hiện đang cố gắng khai thác lại truyền thống của tranh tĩnh vật, vượt qua giới hạn của nó và vẫn giữ được cảm giác thư giãn này.

Trong chương trình tại Pallant House, hoạ sĩ Patrick Caulfield, nổi tiếng với phong cách Pop Art vào những năm 1960, đã tái hiện một hình ảnh từ bức tranh tĩnh vật của hoạ sĩ thế kỷ 17 Willem Kalf trong tác phẩm "Reserved Table" (2000). Bức tranh của Caulfield có kích thước thật và tạo dựng một bố cục trừu tượng của nội thất nhà hàng, với một con tôm hùm được vẽ chi tiết mô phỏng tự nhiên, đặt trên một đĩa thiếc trên một chiếc khăn trải bàn trắng sáng. Bằng cách làm sống lại những truyền thống trang trọng của thể loại này, Caulfield đã đạt được mục tiêu “gây sốc với những gì quen thuộc”: “Tôi nhận thấy rằng khi xử lý các vật thể khác nhau theo các cách khác nhau, chúng trở thành tâm điểm,” ông viết trong cuốn sách Patrick Caulfield (2005). “Đó là ý tưởng rằng không phải mọi thứ đều có thể nhìn thấy và mắt bạn có thể quay đi mà vẫn nhìn thấy nhiều thứ.”

Patrick Caulfield, Màu tĩnh vật , 1967. Được phép của Phòng trưng bày Pallant House.

Giống như các nhà khảo cổ đào bới những di tích vật chất, việc theo dõi sự phát triển của thể loại tranh tĩnh vật cũng là một hành trình khám phá lịch sử của loài người. Melanie Vandenbrouck giải thích: “Trong suốt 130 năm qua, các hoạ sĩ đã dùng tranh tĩnh vật để hiểu về thế giới xung quanh họ. Mỗi bức tranh, tác phẩm điêu khắc hay cảnh trang trí đều là một biểu tượng lịch sử, thường thể hiện thời đại của nó.” Trong triển lãm, chúng ta thấy các hoạ sĩ đề cập đến các chủ đề như tiêu dùng, bất công xã hội, di cư và nhiều vấn đề khác. Vandenbrouck cho rằng văn hóa, như được thể hiện qua từng chi tiết như một chiếc bàn, là một phản ánh của lịch sử, không kém phần quan trọng như các tòa nhà hay phong cảnh. Chẳng hạn, trong các bức tranh của thời kỳ hoàng kim Hà Lan thế kỷ 16, việc sử dụng những loại trái cây như dứa thể hiện sự giàu có và sự mạng lưới thương mại toàn cầu mạnh mẽ của Cộng hòa Hà Lan. Các đặc tính và vật liệu trong các tác phẩm nghệ thuật là kết quả của áp lực từ văn hóa và lịch sử.

Trong phiên bản in phun lưu trữ của tác phẩm "Still Life with Goblet" (sau Pieter de Ring, 1640–1669) năm 2017, hoạ sĩ người Anh gốc Hoa Gordon Cheung nghiên cứu các bữa tiệc và bữa sáng kiểu Hà Lan để khám phá mối liên hệ giữa các hệ thống kinh tế xã hội lịch sử, chủ nghĩa tư bản hiện đại và sức mạnh đương thời của Trung Quốc trên sân khấu toàn cầu. Cheung thay đổi hình ảnh nguồn mở từ các bức tranh tĩnh vật cổ điển và áp dụng kỹ thuật số để "phá hoại" hình ảnh. Thẩm mỹ của ông làm mờ dần hình ảnh ban đầu, đưa nó vào trạng thái mơ hồ và hỗn loạn.

Gordon Cheung, Cuộc sống tĩnh lặng với chiếc cốc (sau Pieter de Ring, 1640-1669) , 2017.

Vandenbrouck cũng chú ý đến khả năng tranh tĩnh vật có thể phản ánh các xung đột nội và ngoại, như trong ví dụ về việc phân loại loại đồ vật đáng lo ngại của Meredith Frampton trong tác phẩm "Thử và Sai" (1939), thể hiện sự bất ổn xã hội của thời điểm đó. Ông nói: "Thử và Sai, một cách nào đó, là một bức tranh tĩnh vật truyền thống với sự hiện diện rõ ràng của sơn bóng, thể hiện chân thực của các đồ vật và kiến trúc gần như cổ điển," Vandenbrouck lưu ý, "nhưng vẫn mang một cảm giác không ổn. Sự sắp xếp các đồ vật bên cạnh nhau dường như không có mối liên hệ - từ một chiếc bình hình quả lê đến một cuộn ruy băng; từ một chai thuốc độc thủy tinh màu xanh lá cây đến các dụng cụ nghệ thuật - mọi thứ gợi lên sự bất hòa và bất ổn của thời đại, đồng thời ám chỉ đến sự mong manh của cuộc sống và những thăng trầm trong sự tồn tại."

Trong triển lãm của Pallant House, nỗi lo lắng về chiến tranh được khám phá một cách tương tự bởi nhiếp ảnh gia và nghệ sĩ vẽ chân dung xã hội nổi tiếng với nhiếp ảnh màu, Madame Yevonde. Trên bản in của bức ảnh "Khủng hoảng (A.R.P)" chụp chỉ hai ngày sau khi Thế chiến thứ hai bùng nổ vào năm 1939, Yevonde đặt một chiếc mặt nạ phòng độc lên bức tượng bán thân của Julius Caesar và đặt nó giữa những cánh hoa cẩm chướng đỏ đang rụng, tạo nên một dự báo u ám về sự đổ máu trong chiến tranh sắp tới.

Ngoài những hành động châm biếm của vanitas hay memento mori, thực tế, tranh tĩnh vật là sự tôn vinh và nâng cao tính trần tục của những đồ vật vô tri. Thể loại này liên quan đến rhopography, hoặc việc miêu tả những thứ thiếu tầm quan trọng. Tại Pallant House, các biểu tượng của sự nội tâm và những mảnh bản sắc được tái hiện trong các tác phẩm như chiếc răng giả hoặc chiếc khăn lụa rải rác trong tác phẩm "Black and White" (1932) của Dod Procter. Ở những nơi khác, một bao thuốc lá, tách cà phê và tờ báo buổi sáng tạo nên hình ảnh của chiếc bàn bếp trong tác phẩm điêu khắc mềm mại "Donuts, Coffee Cups and Comic" (1962) của Jann Haworth.

Không có ví dụ nào thể hiện rõ hơn việc nâng cao đời sống hàng ngày qua nghệ thuật hơn những nỗ lực của những nghệ sĩ thuộc phong trào Hậu Ấn tượng, như Paul Cézanne và Édouard Manet, cũng như các họa sĩ liên quan đến Nhóm Bloomsbury và Camden Town. Họ miêu tả những vật dụng trong nhà đơn giản, không mang tính biểu tượng, sắp xếp một cách giản dị và sử dụng màu sắc phong phú để đạt được sự cân bằng và hòa hợp. Ví dụ, trong phòng thứ hai của triển lãm Pallant House treo bức tranh "Flowers" (1912) của nghệ sĩ người Anh Ursula Tyrwhitt, một bức tranh màu nước miêu tả một chiếc bình tràn ngập hoa phổ thông ở Anh. Tyrwhitt sử dụng hoa văn, được biểu thị qua một chiếc khăn trải bàn chưa hoàn thiện và một góc nhìn khác biệt để đưa tĩnh vật vào thời đại hiện đại mới. Vài năm sau, trọng tâm này được nhìn thấy trong phong trào Chủ nghĩa hiện thực xã hội, sử dụng nghệ thuật để tập trung vào điều kiện sống của người dân hàng ngày. Bức tranh tĩnh vật của John Bratby "Chip Frier" (1954), cũng đáng chú ý, mô tả một bàn đầy đủ đồ phong phú và hỗn loạn, khác hoàn toàn so với cách thể hiện truyền thống về thực phẩm trong tranh tĩnh vật. Thay vào đó, anh ấy giới thiệu những vật dụng hàng ngày được sản xuất hàng loạt như chiếc chảo rán để chiên khoai tây hoặc một hộp ngũ cốc Kellogg's Corn Flakes.

Trong nhiều trường hợp, các họa sĩ khi vẽ tranh tĩnh vật không chỉ đơn thuần là người quan sát trung lập, mà còn truyền đạt cảm giác thân thuộc và gần gũi đến các đồ vật, như thể mỗi đồ vật đều có cá tính riêng của nó. Hiểu về thể loại tranh tĩnh vật không cần phải có kiến thức chuyên môn mà là việc trân trọng những câu chuyện, ý nghĩa và vẻ đẹp được gắn liền với các đồ vật hàng ngày. Vandenbrouck nói: “Dù chúng có vẻ không quan trọng, nhưng cuộc sống của những vật thể vẫn thể hiện chính bản thân chúng ta”. “Chúng đại diện và chứa đựng chúng ta, như những mảnh vỡ rõ ràng của chính bản thân chúng ta.” Ví dụ, trong My Bottles and Pumps (2024), một bức tranh mới trong “The Shape of Things”, Caroline Walker thách thức vai trò “thấp kém” của những vật dụng cá nhân hàng ngày của mình. Bằng cách mô tả những dụng cụ phơi khô cho em bé trên bồn rửa chén trong nhà bếp, cô ấy tôn vinh hành động này mang tính nữ quyền. Vandenbrouck lý giải: “Walker đang tái hiện không gian trong nhà và mở ra cánh cửa cho vai trò của người mẹ đương đại.”

Eric Ravilious, Nội thất Ironbridge, 1941. Được phép của Phòng trưng bày Pallant House.

Qua nhiều năm, tranh tĩnh vật đã trở thành điểm xuất phát để các hoạ sĩ khám phá nghệ thuật trừu tượng. Vandenbrouck giải thích: “Thường thì các tác phẩm trừu tượng, bề ngoài của chúng có thể bắt nguồn từ việc sắp xếp hình thức của các đồ vật. Các hoạ sĩ như Ben Nicholson, Wilhelmina Barns-Graham và William Scott đều quan tâm đến cách mà màu sắc, hình dạng và khối lượng của các vật thể tương tác trong không gian hình ảnh.” Trong triển lãm, các bức tranh sơn dầu của Nicholson như 1943–45 (St Ives Cornwall) và Still Life, 1934 biến các cốc, bát và đĩa thành những hình thức cơ bản theo phong cách Lập thể.

Sự tập trung vào tính trừu tượng này cho thấy tầm quan trọng của tranh tĩnh vật—thay vì chỉ mô tả đơn thuần các vật thể, những tác phẩm này truyền tải nhiều hơn dưới hình thức của chúng. Một bức tranh tĩnh vật thành công, dù là sơn dầu, vẽ hay chụp ảnh, không chỉ đơn thuần hướng tới hiện thực một cách chính xác mà là thể hiện một thực tế mang tính giác quan, lộ ra sự sống bằng cách di chuyển và năng lượng. Vẫn còn, nhưng đồng thời, cũng là cuộc sống.

Biên dịch: Phương Anh

Nguồn: Artsy

https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-life-good