Bảng chú giải cơ bản thuật ngữ Vermeer về Nghệ thuật (Phần 9)

Độ phẳng trong tranh

Kể từ khi loài người lần đầu tiên bắt đầu sử dụng các công cụ để mô tả các hình thức tượng hình trong một phương tiện nghệ thuật, thách thức lớn nhất là xử lý bề mặt hai chiều. Từ những bức vẽ trong hang động trở đi, các nghệ sĩ đã liên tục thử nghiệm những cách mới để tạo ra cảm giác về chiều sâu và hình ảnh ba chiều trên mặt bằng phẳng. Trong thời kỳ trước khi theo trường phái Ấn tượng, mục tiêu cuối cùng của các nghệ sĩ là đạt được sự cân bằng trực quan về phối cảnh, khối lượng và không gian ba chiều. Điều này bắt đầu thay đổi khi Édouard Manet (1832–1883) và các nghệ sĩ khác thách thức các quy ước về họa sĩ như vậy. Tuy nhiên, ý tưởng về độ phẳng như một khái niệm nghệ thuật không phải là một mối quan tâm có ý thức cho đến đầu thế kỷ XX.

Câu chuyện ngụ ngôn về năm giác quan, Gérard de Lairesse, 1668, Sơn dầu trên vải, Phòng trưng bày nghệ thuật Kelvingrove, Glasgow

Một đặc điểm riêng của tất cả các loại hình nghệ thuật hiện đại, từ hội họa đến văn học, là ý thức tự giác của người nghệ sĩ. Nói cách khác, trong bất kỳ tác phẩm cụ thể nào, nghệ sĩ sẽ hướng sự chú ý trực tiếp đến thực tế rằng những gì mọi người đang xem (hoặc đọc, trải nghiệm, v.v.) là một tác phẩm nghệ thuật. Trong văn hóa đương đại, điều này có vẻ như là một phẩm chất hiển nhiên, nhưng trước khi kỷ nguyên nghệ thuật Hiện đại ra đời (gần như thời kỳ tiền Ấn tượng), nghệ thuật không được tạo ra để thu hút sự chú ý đến chính nó, mà để tôn vinh các hình thức tượng hình và mô tả chính xác những thứ có một số cơ sở trong thực tế.

Bằng cách cố ý thu hút sự chú ý đến độ phẳng tự nhiên của canvas trong một tác phẩm nghệ thuật, các nghệ sĩ đã thực hiện một hiện tượng hiện đại độc nhất vô nhị, trong đó người xem không có ý đánh giá cao sự miêu tả của bất cứ thứ gì, mà là hành động của bề mặt hai chiều.

Trước thế kỷ XX, đặc điểm chính của tranh là mô tả hình ảnh trên vải. Tuy nhiên, bắt đầu với các bức tranh không khách quan của Kandinsky và các tác phẩm hình học De ​​Stijl của Piet Mondrian (1872 1944), các nghệ sĩ hiện đại bắt đầu thu hút sự chú ý của người xem một cách có ý thức vào hai yếu tố quan trọng: hình dạng của giá đỡ bức tranh (vải) và các đặc tính hình thức của bức tranh. Do đó, độ phẳng của bức tranh đã trở thành một thành phần không thể thiếu trong trải nghiệm của người xem đối với tác phẩm nghệ thuật. Các bức tranh là phẳng bởi chính bản chất của toan vẽ. Sự cảm nhận, hay sự thừa nhận về độ phẳng, là thứ mà nghệ thuật trừu tượng đã ban tặng cho thế giới nghệ thuật.

Các họa sĩ theo trường phái Biểu hiện trừu tượng, chẳng hạn như Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) và Barnett Newman (1905–1970), áp dụng sơn theo những cách mà mắt người xem không bị thu hút vào bất kỳ điểm trung tâm cụ thể nào trên canvas. Độ phẳng của tấm vải đối với họ là một bề mặt để tạo ra một không gian vô tận, dường như không có điểm đầu hay điểm cuối. Thực hành này rất giống với truyền thống của những người tiền nhiệm theo trường phái trừu tượng của họ là Wassily Kandinsky (1866–1944), Mondrian, Joan Miró (1893–1983), và, đặc biệt đối với Pollock, các tác phẩm Lập thể của Pablo Picasso (1881–1973) và Georges Braque (1882–1963), trong đó nhiều phối cảnh của cùng một chủ thể đạt được trên một bề mặt hai chiều.

Tác phẩm của Wassily Kandinsky

Phẳng / Độ phẳng (trong bức tranh bóng đổ)

"Vlak" (trong các từ điển Hà Lan-Anh hiện đại được dịch là "phẳng" hoặc "cấp") là một thuật ngữ quan trọng trong mỹ học của Hà Lan thế kỷ XVII. Tuy nhiên, độ phẳng không phải là độ phẳng thực tế của các lớp sơn trên tác phẩm nghệ thuật, mà là độ phẳng về thị giác, một ấn tượng rằng các đối tượng được mô tả không có hoặc có chút nhẹ nhõm. Loại phẳng này có thể nhìn thấy rõ ràng trong các bức vẽ của Hà Lan thời đó, nơi mà sự phân chia giữa ánh sáng và bóng râm là đột ngột. Mô hình từ ánh sáng đến bóng râm không liên tục nhưng được giảm thiểu đến một vài tông màu cần thiết. Kỹ thuật này, thường được thảo luận trong các chuyên luận nghệ thuật của Hà Lan liên quan đến vẽ hơn là hội họa, tạo ra sức mạnh và sự sống động tức thì cho hình ảnh.

Lịch sử về độ phẳng trong hội họa Hà Lan có thể bắt nguồn từ hơn một trăm năm trước tác phẩm “Schilder-boeck” của Karel van Mander (1548–1606) được xuất bản lần đầu vào năm 1604, nhưng nó cũng được thảo luận bởi Samuel van Hoogstraten (1627–1678), Willem Goeree (1635–1711) và Gérard de Lairesse (1641–1711). Việc sử dụng kỹ thuật bóng phẳng không chỉ giới hạn ở Hà Lan. Nó trái ngược với sfumato được phát triển vào nửa đầu thế kỷ XVI và được hoàn thiện bởi các nghệ sĩ như Leonardo da Vinci (1452–1519), Michelangelo, Raphael (1483–1520), Giorgione (khoảng 1477 / 8–1510) và Correggio (1489–1534).

Nhưng cho dù bạn bắt đầu hay kết thúc với những bóng tối, bạn nên chia chúng ra trong tâm trí thành ít hơn và lớn hơn. Và mô tả mỗi bóng một cách phẳng, tùy theo độ tối của nó; bởi vì làm việc quá nhiều. Đừng để bản thân bị làm phiền bởi những điều chỉnh nhỏ [kantigheden] trong một bóng mờ, cũng như thực tế là khi nhìn từ gần, có thể nhìn thấy bóng tối ở giữa nó; bởi vì lực sẽ lớn hơn tất cả nếu bạn cầm nó ngang tầm tay, và bạn sẽ quen với việc so sánh các bộ phận với nhau. Cuối cùng bạn sẽ thấy phương pháp này hoạt động hiệu quả hơn những gì bạn chưa từng dám tưởng tượng; trong khi ngược lại, nếu bạn loay hoay cố gắng làm mọi thứ trôi chảy một cách ngọt ngào, bạn sẽ có nguy cơ bị lạc hoàn toàn; như đã xảy ra với nhiều tâm hồn cao quý, thông qua xu hướng làm ngọt ngào và củng cố công việc của họ liên tục với chiều sâu và điểm nhấn.

Van Hoogstraten cho rằng bản vẽ nên được xây dựng từ sự tương phản rõ nét, trong đó ánh sáng và bóng râm được khớp nối rõ ràng, cả giữa và bên trong chúng.

Mặt khác, họa sĩ người Hà Lan và nhà lý thuyết nghệ thuật Gérard de Lairesse (1641–1711), trong một chương của Groot Schilderboek của ông dành cho chủ đề ánh sáng và bóng râm, cho rằng hình thức chiếu sáng hoàn hảo nhất trong một bức tranh là ánh sáng khuếch tán hoặc gián tiếp, gemeen licht. Họa sĩ bị mù và nhà văn nghệ thuật người Hà Lan đã chỉ trích nhiều họa sĩ Hà Lan, mà ông gọi là Zonschilders, "Những người vẽ mặt trời", vì họ đã thực hành vẽ các đối tượng của họ như thể họ đang ở dưới ánh sáng mặt trời.

Họ nói rằng nó không bằng phẳng: do đó họ có nghĩa là trời không có nắng, cũng không rõ ràng và sắc nét trong bóng tối, như thường lệ khi họ mô tả mọi thứ dưới ánh sáng mặt trời. Bằng phẳng, bằng phẳng, họ nói với các học trò, hoặc các môn đệ của mình bằng một giọng nhẹ nhàng, đến nỗi người lạ không thể nghe thấy: như thể đó là một bí mật, không rõ về bản thân nghệ thuật. Người ta nói rằng Phi-lê-môn tốt bụng quá say mê những thứ có đèn và bóng râm phẳng, đến nỗi ông chỉ vẽ những bức tranh có mặt trời hoặc mặt trăng.

Nguồn: http://www.essentialvermeer.com/glossary/glossary_d_i.html

Biên dịch: Hưng

Biên tập: Trang Hà