Lược sử ngắn của tranh phong cảnh

Nguồn gốc từ thời cổ đại

Các nghệ sĩ đã vẽ tranh phong cảnh từ rất lâu trước đây. Người Hy Lạp và La Mã đã sáng tạo ra những bức tranh tường mô tả phong cảnh và cảnh quan sân vườn. Sau sự sụp đổ của Đế chế La Mã, truyền thống mô tả phong cảnh thuần túy đã suy giảm, và phong cảnh thường chỉ được xem là bối cảnh phụ cho các cảnh tôn giáo và tượng hình. Truyền thống này chỉ được hồi sinh vào thế kỷ 16, khi các nghệ sĩ bắt đầu coi phong cảnh như một chủ đề độc lập và có giá trị riêng. Sự thay đổi này phản ánh mối quan tâm ngày càng tăng đối với thế giới tự nhiên, một sự quan tâm đã được khơi dậy mạnh mẽ bởi thời kỳ Phục hưng.

Sự trỗi dậy của phong cảnh ở Hà Lan

Thuật ngữ "phong cảnh" có nguồn gốc từ từ *landschap* trong tiếng Hà Lan, ban đầu có nghĩa là "khu vực" hay "vùng đất". Đến đầu những năm 1500, từ này đã được sử dụng với hàm ý nghệ thuật, chỉ "một bức tranh mô tả phong cảnh trên đất liền" (Từ điển Di sản Hoa Kỳ, 2000). Sự phát triển của thuật ngữ này ở Hà Lan là hợp lý vì đây là một trong những nơi đầu tiên phong cảnh trở thành một chủ đề phổ biến trong hội họa. Vào thời điểm đó, tầng lớp trung lưu Tin lành đang nổi lên và tìm kiếm nghệ thuật thế tục để trang trí ngôi nhà của họ, tạo ra nhu cầu về các chủ đề mới phù hợp với sở thích của họ; phong cảnh đã đáp ứng nhu cầu này.

Ngoài Hà Lan, thể loại hoặc chủ đề phong cảnh vẫn chưa được các học viện nghệ thuật uy tín của Ý và Pháp công nhận. Hệ thống phân cấp các chủ đề hội họa của các học viện này coi hội họa lịch sử—bao gồm các chủ đề cổ điển, tôn giáo, thần thoại và ngụ ngôn—là cao quý nhất, trong khi chân dung, thể loại (cảnh đời thường), tĩnh vật và phong cảnh được xem là các chủ đề thấp hơn. Dù phong cảnh dần được chấp nhận là một chủ đề hội họa vào thế kỷ 17, chúng thường chỉ được sử dụng như một bối cảnh cho các cảnh trong Kinh thánh, thần thoại hoặc lịch sử.

Sự ra đời của phong cảnh cổ điển

Vào thế kỷ 17, phong cảnh cổ điển đã ra đời. Những phong cảnh này chịu ảnh hưởng của thời cổ đại và cố gắng minh họa một phong cảnh lý tưởng gợi nhớ đến Arcadia, một địa danh huyền thoại ở Hy Lạp cổ đại nổi tiếng với vẻ đẹp đồng quê yên tĩnh. Nhà thơ La Mã Virgil đã mô tả Arcadia là quê hương của sự giản dị đồng quê. Trong một phong cảnh cổ điển, vị trí của các vật thể được sắp đặt; mọi cây cối, tảng đá hoặc động vật đều được đặt cẩn thận để thể hiện tâm trạng hài hòa, cân bằng và vượt thời gian. Phong cảnh cổ điển đã được hoàn thiện bởi các nghệ sĩ người Pháp Nicolas Poussin và Claude Lorrain. Cả hai nghệ sĩ đều dành phần lớn sự nghiệp của mình ở Rome để lấy cảm hứng từ vùng nông thôn La Mã. Vào thời điểm đó, Ý là địa điểm ưa thích của nhiều nghệ sĩ, những người thường đi du lịch đến đó cùng với những người bảo trợ trong Grand Tour. (Tìm hiểu thêm trong bài thuyết trình trên trang web này từ triển lãm trước đây Ý trong Grand Tour.) Poussin, người trong những năm đầu tập trung tài năng của mình vào hội họa lịch sử, sau này mới tin rằng phong cảnh có thể thể hiện những cảm xúc mạnh mẽ giống như những bi kịch của con người được mô tả trong các bức tranh lịch sử. Từ thời điểm đó, ông đã nỗ lực nâng tầm phong cảnh lên một tầm cao hơn.

Trong thế kỷ 18, Ý tiếp tục là nguồn cảm hứng phổ biến cho các nghệ sĩ vẽ phong cảnh, khi sự phổ biến của Grand Tour tăng lên và đạt đỉnh vào nửa sau thế kỷ. Pháp và Anh trở thành trung tâm mới của nghệ thuật phong cảnh, mặc dù lý tưởng của phong cảnh Hà Lan và Ý thế kỷ 17—bao gồm cả mô hình cổ điển—vẫn được ưa chuộng. Trong khi phong cảnh thường được các nhà tài trợ đặt hàng, chủ đề này vẫn ở vị trí thấp trong hệ thống phân cấp của các học viện, đặc biệt là tại Académie Royale ở Pháp—một tổ chức vô cùng hùng mạnh đã đặt ra các tiêu chuẩn cho những gì được giảng dạy và triển lãm trong cả nước.

Sự chấp nhận vào Học viện

Vào cuối thế kỷ 18, Pierre-Henri de Valenciennes đã làm thay đổi cục diện hội họa phong cảnh ở Pháp. Tương tự như Poussin, Valenciennes coi hội họa phong cảnh xứng đáng được nâng cao đến mức tương đương với hội họa lịch sử và nỗ lực thuyết phục Viện Hàn lâm và các đồng nghiệp của ông về điều này. Vào năm 1800, Valenciennes đã xuất bản cuốn sách mang tính cách mạng *Éléments de perspective pratique*, trong đó ông nhấn mạnh lý tưởng thẩm mỹ của "phong cảnh lịch sử"—một phong cách phải dựa trên nghiên cứu thực tế về thiên nhiên.

Sự thành công của cuốn sách này đã dẫn đến việc Viện Hàn lâm nghệ thuật Pháp tạo ra một giải thưởng dành cho "phong cảnh lịch sử" vào năm 1817. Những nỗ lực của Valenciennes đã tạo ra một nền tảng vững chắc cho thế hệ họa sĩ phong cảnh tiếp theo tại Pháp. Trong số những nghệ sĩ nổi bật chịu ảnh hưởng từ phong cách của Valenciennes có Jean-Baptiste-Camille Corot, người không chỉ bị tác động mạnh mẽ bởi phong cảnh lịch sử của Valenciennes mà còn từ các chuyến du lịch của ông ở Ý.

Phong cảnh hiện đại

Thế kỷ 19 đánh dấu nhiều cột mốc quan trọng trong lịch sử nghệ thuật phong cảnh. Khi Cách mạng Công nghiệp thay đổi truyền thống của cuộc sống nông thôn, hệ thống phân cấp cũ về chủ đề đã sụp đổ. Trên khắp châu Âu và Bắc Mỹ, hội họa phong cảnh đã đạt được sự thống trị mới. Các họa sĩ Barbizon như Théodore Rousseau và Charles Daubigny ít quan tâm đến phong cảnh cổ điển, lý tưởng hóa và tập trung nhiều hơn vào việc vẽ ngoài trời trực tiếp từ thiên nhiên—một hoạt động được gọi là hội họa ngoài trời. Thế kỷ 19 cũng chứng kiến ​​sự ra đời của nhiếp ảnh phong cảnh, ảnh hưởng lớn đến lựa chọn bố cục của các họa sĩ phong cảnh. Các nghệ sĩ cách mạng đã xuất hiện, chẳng hạn như Gustave Courbet, người đã đẩy ranh giới của hội họa phong cảnh xa hơn nữa bằng cách biến nó thành trải nghiệm vừa có thể sờ thấy vừa có thể nhìn thấy. Các kỹ thuật vẽ cấp tiến và tinh thần độc lập của Courbet đã mở đường cho thế hệ họa sĩ tiếp theo thoát khỏi Học viện—những người theo trường phái Ấn tượng. Những người theo trường phái Ấn tượng, bao gồm các nghệ sĩ như Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir và Alfred Sisley, dành phần lớn sự nghiệp của họ để nghiên cứu và vẽ phong cảnh, thường làm việc ngoài trời. Ảnh hưởng từ cách sử dụng sơn đặc biệt của Courbet và cách ông cấu trúc các góc nhìn phong cảnh của mình đã vượt xa trường phái Ấn tượng, tác động sâu sắc đến tác phẩm của Cézanne và Van Gogh, cũng như các họa sĩ trong thế kỷ 20.

Nhiếp ảnh và phong cảnh thế kỷ 20

Vào đầu thế kỷ 20, các họa sĩ tiếp tục khám phá và thể hiện phong cảnh. Khi nhiếp ảnh trở nên được công nhận như một loại hình nghệ thuật, các nghệ sĩ đã tận dụng phương tiện này để tạo ra những cách diễn giải mới về vùng đất, thông qua các hiệu ứng tranh ảnh cũng như các tác phẩm chính thức với góc nhìn cận cảnh và cắt xén phong cảnh. Ở Mỹ, nhiếp ảnh gia Ansel Adams đã gây ấn tượng mạnh mẽ với những góc nhìn ngoạn mục về vẻ đẹp hoang dã của miền Tây nước Mỹ.

Mặc dù các phong trào nghệ thuật lớn vào giữa thế kỷ 20 không còn coi phong cảnh là chủ đề chủ đạo, nhưng tầm quan trọng của thể loại này vẫn không giảm sút. Các nghệ sĩ đã tiếp tục phản ánh những lo ngại về sự gia tăng công nghiệp hóa, mối đe dọa của sự hủy diệt toàn cầu và các thảm họa sinh thái thông qua các tác phẩm của mình.

Vào nửa sau của thế kỷ 20, khái niệm về phong cảnh đã được mở rộng để bao gồm các dạng cảnh quan mới như cảnh quan đô thị, cảnh quan văn hóa, cảnh quan công nghiệp và kiến trúc cảnh quan. Nhiếp ảnh phong cảnh vẫn tiếp tục phát triển và ngày càng trở nên phổ biến. Các nhiếp ảnh gia người Mỹ như Robert Adams và William A. Garnett đã sử dụng phương tiện này để nâng cao nhận thức về các vấn đề bảo tồn. Ngày nay, phong cảnh vẫn là một chủ đề quan trọng đối với các nghệ sĩ khi họ chiêm nghiệm về mối liên hệ giữa con người với môi trường sống của mình và tác động của chúng ta lên vùng đất đó.

Biên dịch: Phương Anh

Nguồn: Getty