Giáo dục Nghệ thuật tại Hoa Kỳ (Phần 1)

Giáo dục nghệ thuật tại Hoa Kỳ là quá trình giảng dạy nghệ thuật tại các trường công lập, bắt đầu phát triển mạnh mẽ từ khi các trường học được mở rộng và dân chủ hóa giáo dục. Trước đây, học nghề là con đường chủ yếu để có được nền giáo dục nghệ thuật, đặc biệt sau khi nhà triết học giáo dục John Dewey thúc đẩy cải cách giáo dục. Cùng với Dewey, Elliot Eisner cũng là một trong những người tiên phong trong việc đưa nghệ thuật vào chương trình giảng dạy hiện đại. Từ khi nghệ thuật lần đầu được đưa vào trường công lập vào năm 1821, giáo dục nghệ thuật tại Hoa Kỳ đã trải qua nhiều thay đổi và phát triển đáng kể.

Giáo dục Nghệ thuật Ban đầu tại Hoa Kỳ

Nghệ thuật lần đầu tiên được đưa vào chương trình giảng dạy của các trường công lập vào năm 1821, chủ yếu để đáp ứng nhu cầu về các nhà thiết kế kiến trúc trong thời kỳ Cách mạng Công nghiệp. Khi các trường công lập phát triển mạnh mẽ trên toàn quốc, sự quan tâm đến việc giảng dạy nghệ thuật cũng tăng lên. Vào những năm 1870, một số tiểu bang bắt đầu cấp kinh phí cho các trường công lập để phát triển chương trình giảng dạy nghệ thuật. Cũng trong thời gian này, các vật liệu nghệ thuật như sơn và giấy được cải tiến về chất lượng, tạo điều kiện để việc giảng dạy nghệ thuật trở nên phong phú và sáng tạo hơn.

Tuy nhiên, các chương trình học nghề nghệ thuật dần mất đi sự phổ biến vào thế kỷ 19, và các trường nghệ thuật độc lập trở thành lựa chọn chính cho những ai muốn theo đuổi sự nghiệp nghệ thuật.

Phong trào Nghiên cứu Tranh ảnh trước Thế chiến II

Sự đánh giá cao đối với nghệ thuật tại Hoa Kỳ đã được đẩy mạnh với phong trào "nghiên cứu tranh ảnh" vào cuối thế kỷ 19. Nghiên cứu tranh ảnh trở thành một phần quan trọng trong chương trình giáo dục nghệ thuật, giúp thúc đẩy việc làm đẹp cho các trường học, gia đình và cộng đồng — một phong trào được gọi là "Nghệ thuật trong cuộc sống hàng ngày". Ý tưởng này là mang nghệ thuật vào cuộc sống của trẻ em, nhằm thay đổi thói quen và cách nhìn nhận của cả gia đình.

Phong trào nghiên cứu tranh ảnh phát triển mạnh mẽ nhờ vào công nghệ in ấn hình ảnh ngày càng tiên tiến, sự quan tâm ngày càng tăng đối với nghệ thuật, cùng với phong trào cải cách giáo dục và số lượng trẻ em nhập cư gia tăng, những người có khả năng tiếp nhận hình ảnh tốt hơn so với ngôn ngữ. Chương trình giảng dạy nghệ thuật chủ yếu sử dụng các tác phẩm từ thời kỳ Phục hưng trở về sau, nhưng không bao gồm "nghệ thuật hiện đại". Những bức tranh được chọn thường mang thông điệp đạo đức, bởi lẽ việc phát triển thẩm mỹ trong giáo dục cũng gắn liền với việc giáo dục đạo đức cho lớp công dân mới trong bối cảnh nhập cư gia tăng.

Một bài học điển hình trong phong trào nghiên cứu tranh ảnh có thể như sau: giáo viên sẽ mua bộ tài liệu từ Perry Picture Series, tương tự như các bộ chương trình giảng dạy đóng gói ngày nay. Tài liệu này bao gồm một bức tranh lớn để cả lớp cùng quan sát, cùng với bản sao nhỏ để mỗi học sinh có thể nhìn kỹ hơn. Những bức tranh này thường là đen trắng hoặc tông màu nâu đỏ. Học sinh có thể trao đổi chúng như những thẻ bóng chày. Giáo viên cung cấp thông tin về bức tranh và tác giả, bao gồm nội dung, các chi tiết tiểu sử và thông tin cơ bản về nghệ sĩ. Sau đó, giáo viên sẽ đưa ra các câu hỏi thảo luận để kích thích sự tư duy và sáng tạo của học sinh.

Tuy nhiên, phong trào nghiên cứu tranh ảnh dần lụi tàn vào cuối những năm 1920, khi các phương pháp học mới, chú trọng vào đánh giá nghệ thuật qua công việc thực hành tại studio, ngày càng được ưa chuộng tại Hoa Kỳ.

Giáo dục Nghệ thuật tại Hoa Kỳ từ Thế chiến II

Sau Thế chiến II, đào tạo nghệ sĩ đã trở thành trách nhiệm chính của các trường cao đẳng và đại học, và nghệ thuật đương đại đã chuyển mình thành một lĩnh vực ngày càng mang tính hàn lâm và trí tuệ. Trước đó, một nghệ sĩ không nhất thiết phải có bằng đại học. Tuy nhiên, kể từ sau chiến tranh, các bằng cấp như Cử nhân Mỹ thuật và Thạc sĩ Mỹ thuật đã trở thành yêu cầu phổ biến cho những ai muốn trở thành nghệ sĩ chuyên nghiệp. Sự thay đổi này được thúc đẩy bởi Đạo luật G.I. năm 1944, tạo điều kiện cho nhiều cựu chiến binh Thế chiến II có cơ hội học tập, bao gồm cả việc theo đuổi nghệ thuật.

Cùng với sự phát triển của các khoa nghệ thuật trong các trường đại học, các trường nghệ thuật độc lập dần mất đi sự phổ biến. Các sinh viên muốn theo đuổi sự nghiệp nghệ thuật bắt đầu chọn các trường đại học thay vì các trường nghệ thuật độc lập như Liên đoàn Sinh viên Nghệ thuật, nơi từng đào tạo những nghệ sĩ nổi tiếng như Jackson Pollock và Mark Rothko. Đến những năm 1960, các trường như Trường Nghệ thuật Thị giác, Viện Pratt, Cooper Union, Princeton và Yale đã trở thành những tên tuổi hàng đầu trong giáo dục nghệ thuật tại Hoa Kỳ.

Hiện nay, việc cấp bằng Tiến sĩ về nghệ thuật studio đang được xem là một tiêu chuẩn mới cho các nghệ sĩ chuyên nghiệp. Tuy nhiên, tính đến năm 2008, chỉ có hai chương trình tại Hoa Kỳ cung cấp bằng Tiến sĩ về nghệ thuật studio, trong khi bằng Tiến sĩ lại đã trở nên phổ biến ở Vương quốc Anh, Scandinavia và Hà Lan. Như James Elkins, giáo sư tại Trường Viện Nghệ thuật Chicago, đã viết trong Art in America, "Vào những năm 1960, MFA đã trở nên phổ biến. Bây giờ, MFA đã trở thành tiêu chuẩn, và bằng Tiến sĩ đang dần trở thành yêu cầu cơ bản đối với công việc giảng dạy". Điều này phản ánh sự thay đổi trong yêu cầu giảng dạy nghệ thuật tại các trường đại học, nơi bằng Tiến sĩ đã trở thành yêu cầu tiêu chuẩn cho những vị trí giảng viên trong suốt nhiều năm. Tuy nhiên, Hiệp hội Nghệ thuật Cao đẳng vẫn coi MFA là bằng cấp cuối cùng, nhấn mạnh rằng "Hiện tại, rất ít học viện tại Hoa Kỳ cung cấp bằng Tiến sĩ về nghệ thuật studio và không có dấu hiệu cho thấy xu hướng này sẽ phát triển mạnh mẽ hoặc thay thế MFA".

Giáo dục Nghệ thuật Chuyên ngành vào Đầu những năm 1980

Vào đầu những năm 1980, giáo dục nghệ thuật theo chuyên ngành (DBAE) đã được J. Paul Getty Trust phát triển, nhằm giảm bớt sự nhấn mạnh vào việc giảng dạy trong studio và thay vào đó tập trung vào bốn chuyên ngành nghệ thuật chính: thẩm mỹ, phê bình nghệ thuật, lịch sử nghệ thuật và sản xuất nghệ thuật. Mặc dù vẫn giữ một liên kết chặt chẽ với hướng dẫn trong studio, DBAE nhấn mạnh vào việc giảng dạy kỹ thuật nghệ thuật và lý thuyết.

Một trong những mục tiêu của DBAE là làm cho giáo dục nghệ thuật ngang bằng với các môn học chính thống khác và tạo ra một khuôn khổ chuẩn hóa để đánh giá. Chương trình này chủ yếu được phát triển cho các lớp học từ cấp tiểu học đến trung học, nhưng sau đó đã được áp dụng cho các cấp học cao hơn. DBAE cũng khuyến khích nghệ thuật phải được giảng dạy bởi những giáo viên có chứng chỉ và nhấn mạnh rằng "giáo dục nghệ thuật nên dành cho tất cả học sinh, không chỉ những em có tài năng đặc biệt trong việc sáng tác nghệ thuật".

Tuy nhiên, DBAE cũng gặp phải sự chỉ trích từ các nhà lý thuyết hậu hiện đại, những người ủng hộ quan điểm đa dạng về nghệ thuật và cho rằng chương trình này không đủ rộng để bao quát hết các quan điểm nghệ thuật khác nhau.

Giáo dục Nghệ thuật từ những năm 2000 đến Nay

Giáo dục nghệ thuật hiện tại ở Hoa Kỳ có sự khác biệt rõ rệt giữa các tiểu bang. Tính đến năm 2018, 29 trong số 50 tiểu bang coi nghệ thuật là môn học chính trong chương trình giảng dạy. Tuy nhiên, 41 tiểu bang yêu cầu các lớp học nghệ thuật phải được cung cấp từ cấp tiểu học đến trung học phổ thông. Các trường chuyên về nghệ thuật, chủ yếu ở các khu vực đô thị lớn, thường sử dụng nghệ thuật làm môn học cốt lõi, nhằm thu hút những học sinh có động lực từ sở thích cá nhân hoặc có ý định trở thành nghệ sĩ chuyên nghiệp.

Mặc dù các yêu cầu từ tiểu bang vẫn được duy trì, nhưng việc cắt giảm ngân sách và việc đánh giá học sinh dựa trên bài kiểm tra, theo yêu cầu của Đạo luật Không trẻ em nào bị bỏ lại phía sau (NCLB), được cho là nguyên nhân làm giảm thời gian giảng dạy nghệ thuật tại các trường học. Mặc dù NCLB vẫn duy trì nghệ thuật là một phần của "chương trình giảng dạy cốt lõi", nhưng không yêu cầu báo cáo cụ thể về thời gian giảng dạy nghệ thuật hay các tiêu chuẩn đánh giá học sinh, điều này đã góp phần vào sự suy giảm của giáo dục nghệ thuật tại các trường công lập. Dù số lượng giáo viên nghệ thuật vẫn giữ nguyên, nhưng số lượng lớp học nghệ thuật giảm đi vì giáo viên còn phải dạy các môn học khác như ngữ văn và toán học.

Xem tiếp phần 2

Xem tiếp phần 3

Nguồn: Wikipedia