Những họa sĩ tự học và trở nên nổi tiếng

Người đã làm nghệ thuật từ buổi bình minh, thường ít được học về vật liệu, kỹ thuật hay lý thuyết, tuy nhiên khái niệm “nghệ sĩ tự học” là một hiện tượng tương mới. Để tạo ra nghệ thuật trước tiên bạn cần tạo các kênh truyền thống đó — theo đó chúng tôi thường đề cập đến các trường học và học viện đã được thành lập để hệ thống hóa việc giáo dục nghệ thuật thành các tiêu chuẩn và thông lệ xác định. Và ở phương Tây, lịch sử đó phần lớn bắt đầu vào năm 1635 với Académie Française, nơi đã chuyên nghiệp hóa hoàn toàn lĩnh vực nghệ thuật.

Những người làm nghệ thuật chưa được đào tạo chính thức tất cả từ 150 năm qua, đã thành công trong việc tạo dấu ấn của họ mà không cần hoặc không có sự hướng dẫn của trường nghệ thuật.

1. Henri Rousseau

Henri Rousseau, Bản thân: Chân dung - Phong cảnh, 1890. Ảnh qua Wikimedia Commons.

Dornac (Paul Marsan), Le peintre Henri Rousseau dans son atelier, 1907. Ảnh qua Wikimedia Commons.

Là một họa sĩ lớn lên trong thời đại của những người theo trường phái Ấn tượng và Hậu ấn tượng Pháp, Henri Rousseau không được đào tạo chính quy về nghệ thuật. Ông chỉ bắt đầu vẽ một cách nghiêm túc vào năm 1884, ở tuổi 40. Trong phần lớn cuộc đời của mình, ông làm công việc thư ký, được các nhà phê bình đặt cho biệt danh “Le Douanier” (“nhân viên hải quan”), những người tìm cách làm mất uy tín của người ngây thơ, họa sĩ vô học. Tuy nhiên, người ta đồn rằng bản chất công việc không bắt buộc của Rousseau (thực tế ông chưa bao giờ lọt vào danh sách nhân viên hải quan) chính là điều đã cho ông thời gian để tự học vẽ tranh

Rousseau đã phát triển một lượng người theo dõi, đặc biệt là trong giới họa sĩ, vì những gì mà những người ủng hộ ông coi là tính bộc trực và thiếu áp lực trong công việc của ông, những phẩm chất đã phá vỡ khuôn mẫu của các tiêu chuẩn học thuật. Được biết đến nhiều nhất với những phong cảnh sống động, kỳ lạ, Rousseau đã tạo ra những khung cảnh đẹp như mơ được xác định bởi những đường viền trong như pha lê, và ông sẽ được những người theo chủ nghĩa Siêu thực yêu thích. 

Người tiên phong của thế kỷ XX đã công nhận giá trị của Rousseau. Đến cuối đời, ông đã triển lãm cùng với van Gogh và Paul Gauguin; Henri Matisse và André Derain — và tác phẩm của ông đã được sưu tầm bởi Pablo Picasso, người sau này đã để lại di sản một số bức tranh của Rousseau cho Louvre.

2. Vincent van Gogh

Vincent van Gogh

Cánh đồng lúa mì với cây bách, đầu tháng 9 năm 1889

"Van Gogh và các mùa" tại Phòng trưng bày Quốc gia Victoria

Tự vẽ chân dung như một họa sĩ, 1887-1888

Bảo tàng Van Gogh

Là một trong những họa sĩ có tầm ảnh hưởng nhất của thời kỳ hiện đại, Vincent van Gogh gần như hoàn toàn tự học. Là một nhân vật phức tạp, ít nói, van Gogh không có hứng thú với lớp học. Ông được dạy dỗ từ khi còn nhỏ bởi mẹ và gia đình, sau khi những nỗ lực học tập bên ngoài gia đình của ông gặp thất bại. Cuối cùng, khi van Gogh chán nản về điều đó, ông đã cố gắng vào trường dòng để trở thành một mục sư, nhưng đã trượt kỳ thi đầu vào. Sau đó, ông đã thực hiện (và cũng không thành công) một học kỳ tại một trường truyền giáo, mặc dù ông vẫn làm công việc truyền giáo vào năm 1879. Khi anh trai của ông, Theo, nhìn thấy một số bản phác thảo của hội đoàn nông dân nghèo khó của mình, ông đã cầu xin Vincent theo đuổi nghệ thuật, dẫn đến một nỗ lực cực kỳ ngắn tại Académie Royale des Beaux-Arts của Brussels vào năm 1880.

Trong phần còn lại của cuộc đời ngắn ngủi bi thảm của mình, van Gogh hầu như chỉ tập trung vào hội họa, tìm kiếm những ví dụ về nghệ thuật in khắc gỗ của Nhật Bản và những đổi mới chính thức của các đồng nghiệp của ông, cùng những ảnh hưởng khác. Nhưng cuối cùng ông đã phát triển một phong cách cá nhân mạnh mẽ, thúc đẩy một khối lượng lớn công việc. Trong khi những người hâm mộ van Gogh nhanh chóng chỉ ra sự rối loạn cảm xúc là điểm tương đồng với phong cách riêng thì những nét vẽ xoáy, tràn đầy năng lượng và những tông màu đậm, biểu cảm của ông cũng là dấu hiệu của một phong cách độc lập quyết liệt được rèn giũa qua quá trình tự giáo dục bản thân.

3. Bill Traylor

Bill Traylor ở Montgomery, 1946. Ảnh của Horace Perry. Được phép của Bộ sưu tập của Hội đồng Bang Alabama về Nghệ thuật.

Viết về họa sĩ tự học Bill Traylor vào năm 2013, nhà phê bình nghệ thuật Roberta Smith của New York Times đã vẽ nên một bức tranh có phần nghiệt ngã: “Tài năng của Bill Traylor đột ngột nổi lên vào năm 1939 khi ông 85 tuổi và còn 10 năm nữa”. Sinh ra trong cảnh nô lệ tại một đồn điền ở Alabama vào năm 1854, Traylor không được giáo dục chính quy về bất cứ thứ gì, chứ chưa nói đến việc được đón nhận từ một thế giới nghệ thuật mà ông không bao giờ mong đợi được sống. Ngay cả sau khi được giải phóng vào cuối Nội chiến, ông vẫn bị buộc phải làm lính chia sẻ ở Jim Crow South.Bị bệnh viêm khớp dạng thấp buộc phải nghỉ hưu, Traylor quấn lấy người vô gia cư và ngủ trong phòng sau của một nhà tang lễ vào những năm 1930. Thiếu phương tiện để nuôi sống bản thân, ông bắt đầu tạo ra những bức tranh nhỏ bằng bất cứ chất liệu gì có thể tìm tòi được. Khi một nghệ sĩ trẻ tên là Charles Shannon tình cờ tìm thấy tác phẩm của Traylor vào năm 1939, ông đã cung cấp những tư liệu mới, sự đánh giá cao và  khích lệ. Tác phẩm mà ông được tạo ra trong một khoảng thời gian có hạn với những phương tiện cực kỳ hạn chế được ca ngợi vì tính thẩm mỹ sáng tạo, không bị kiểm duyệt, cũng như khung cửa nghệ thuật mà nó tạo ra trong sự khắc nghiệt của cuộc sống người da đen ở miền Nam trong thời kỳ Tái thiết.

4. Grandma Moses

Arnold Newman

Grandma Moses, 1949

Hãy chứng kiến

Thùng Oaken Cũ, 1949

Galerie St. Etienne

Được phát hiện ở tuổi 78, Anna Mary Robertson "Grandma" Moses đã làm nghệ thuật trong suốt cuộc đời của mình, mặc dù bà không được giáo dục chính thức. Theo cáo phó của New York Times từ năm 1961, bà là một người phụ nữ nội trợ ở một thị trấn nhỏ, từ thời thơ ấu đã bắt đầu vẽ cái mà bà gọi là 'lambscapes' bằng cách vắt nước nho hoặc chanh. nước trái cây để lấy màu”. Ở tuổi trưởng thành, bà đã sao chép các cảnh từ các hình ảnh do công ty in ấn Currier and Ives của Mỹ sản xuất. Khi gia đình bà phát triển, tác phẩm nghệ thuật của Moses ngày càng mang tính nội địa hơn, hoặc ít nhất là thứ mà người ta có thể gọi là trang trí: một cảnh vẽ trên tủ cứu hỏa của gia đình ; hình thêu làm từ sợi; mền lớn; búp bê cho các cháu gái của bà.

Trên thực tế, nếu Moses không bị viêm khớp trong những năm sau này, bà có thể đã không chuyển từ kim khâu của mình trở lại cây cọ vẽ dễ dàng hơn thời trẻ. Tuy nhiên, bà đã trở nên cực kỳ sung mãn và được cho là đã tạo ra hơn 1.500 tác phẩm đại diện cho sự đơn giản của một thời đại đã qua bằng hình ảnh trực tiếp, tươi sáng và thực tế. Sự nổi tiếng xuất hiện khi một nhà sưu tập nghệ thuật tìm thấy một số ít các tác phẩm của bà trong cửa sổ hiệu thuốc, làm bối cảnh bình thường cho các món bánh nướng và mứt mà bà làm để bán.

Năm 1939, ba trong số những bức tranh đó đã được đưa vào triển lãm “Những họa sĩ người Mỹ chưa được biết đến đương đại” của Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, và chỉ một năm sau đó, Moses đã có một buổi trình diễn cá nhân thành công của riêng mình. Trước khi qua đời vào năm 1961, bà đã trở thành bà ngoại tự học của nghệ thuật dân gian Hoa Kỳ và được trao hai bằng tiến sĩ danh dự, trong đó (trớ trêu thay) một bằng của trường cao đẳng nghệ thuật và thiết kế.

5. Henry Darger

Tại McCalls Run Coller Junction, cô gái Vivian cứu những đứa trẻ bị siết cổ khỏi hiện tượng có hình dạng đáng sợ, 1910-1970

"Henry Darger" tại Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris (2015)

(Chân dung của Henry Darger)

Từ năm 1930 cho đến khi ông qua đời vào năm 1973, Henry Darger, người trông coi bệnh viện Chicago đã dành phần lớn thời gian nhàn rỗi trong căn hộ của mình, chăm chỉ viết và minh họa những gì sẽ trở thành magnum opus của ông. Bao gồm 15.145 trang và hàng trăm hình ảnh minh họa, In the Realms of the Unreal kể câu chuyện của Những cô gái Vivian: công chúa con của một quốc gia Cơ đốc giáo, người đã giúp thiết lập một cuộc nổi dậy chống lại chế độ nô lệ do một đế chế độc ác áp đặt.

Làm việc với sự pha trộn giữa màu nước, ảnh ghép được làm từ các tạp chí nổi tiếng và sách tô màu, ông đã khắc họa một cách ám ảnh hành động của các nữ anh hùng, những người có hành động đan xen với đau khổ và tra tấn bi thảm dưới bàn tay của những kẻ bóc lột họ. Trong câu chuyện tuyệt vời đó, Cô gái Vivian gợi lại những câu chuyện ghê rợn của các vị thánh Công giáo thời kỳ đầu, nhưng được thể hiện giống như các nhân vật truyện tranh hoặc các cô gái trẻ từ các hình ảnh quảng cáo.

Darger không được đào tạo nghệ thuật chính thức; phong cách của ông bị ảnh hưởng trực quan bởi văn hóa đại chúng, và chủ đề là bởi quá trình giáo dục đầy khó khăn. Được gửi đến trại trẻ mồ côi Công giáo năm 8 tuổi và được đưa vào trại giam ở tuổi 13 tại Illinois dành cho trẻ em có trí tuệ kém, Darger tự nhận mình vừa là một nghệ sĩ vừa là “người bảo vệ trẻ em”. Khi ông qua đời ở tuổi 81, cả hai chỉ định đều được khắc trên bia mộ của ông. Ngược lại, Darger đã tạo ra một sử thi hiện đại và được ca tụng vì tài năng bẩm sinh, chủ đề thường xuyên phạm phải và quyết tâm bền bỉ theo đuổi tầm nhìn của mình.

6. Thornton Dial

Ngọn lửa ở mỏ ngô, 2005

Phòng trưng bày Bill Lowe

Chân dung của Thornton Dial. Ảnh của Steven Pitkin / Pitkin Studio. Lịch sự của Tổ chức Souls Grown Deep.

Thornton Dial sinh năm 1928, là người thừa kế của một gia đình thổ dân da màu nghèo khó ở Alabama. Ông đã không theo học một trường học thích hợp cho đến khi 13 tuổi, và thậm chí sau đó, ông cảm thấy xấu hổ khi bị xếp vào cấp hai. Lớn so với tuổi của mình và có điều kiện phải lao động chân tay nặng nhọc, Dial bắt đầu trốn học để đi làm và kiếm tiền. Khi trưởng thành, ông làm việc trong một nhà máy sản xuất toa xe lửa cho đến khi đóng cửa vào năm 1981, lúc đó ông bắt đầu làm nghệ thuật như một sở thích.

Kinh nghiệm lao động chân tay ban đầu này đã hình thành cơ sở cho sự tự giáo dục của Dial về vật liệu và kỹ thuật, thứ mà ông đã triển khai trong các tác phẩm nửa tượng hình, nửa trừu tượng mà sau này sẽ phát triển thành những tập hợp lớn, thường là đồ sộ, có thể coi là một tác phẩm với truyền thống tranh biếm phía Nam. “Nghệ thuật của tôi là bằng chứng cho sự tự do của tôi,” Dial nói trong một cuộc phỏng vấn vào giữa những năm 1990. “Khi tôi bắt đầu bất kỳ tác phẩm nghệ thuật nào, tôi có thể chọn bất cứ thứ gì tôi muốn nhặt. Tôi bắt đầu với bất cứ thứ gì phù hợp với ý tưởng của mình, những thứ tôi sẽ tìm thấy ở bất cứ đâu”.

Dial là một nhà chẩn đoán nhạy bén về những tệ nạn có hệ thống mà ông đã thấy trong xã hội Mỹ. Chủ đề phân biệt chủng tộc, phân biệt giới tính và nghèo đói xuất hiện thường xuyên trong tác phẩm của ông thông qua các tài liệu gợi lên điều kiện sống khắc nghiệt và các tiêu đề đề cập đến các sự kiện chính trị, địa điểm lịch sử và kinh thánh Cơ đốc. Ông được nhớ đến vì sự khéo léo trang trọng và sức mạnh cảm xúc của những hình dạng sống động, đôi khi cao chót vót, hút các vật thể hàng ngày từ cuộc sống vào quỹ đạo của chúng, và biến chúng thành một thứ gì đó phi thường.

Nguồn: https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-8-famous-artists-self-taught

Biên dịch: Hưng

Biên tập: Trang Hà