Đánh giá tác phẩm nghệ thuật

“Đánh giá tác phẩm nghệ thuật” là gì ?

Để đánh giá một tác phẩm nghệ thuật, người đánh giá phải kết hợp giữa thông tin khách quan và ý kiến ​​chủ quan. Việc đánh giá nghệ thuật là một công việc mang tính chủ quan cao, nhưng mục đích của công việc này không chỉ đơn giản là để xác định xem bạn có thích/ không thích một bức tranh hay không, mà là “tại sao” bạn thích / không thích bức tranh đó. Các nhà phê bình nghệ thuật không thể sử dụng các tiêu chuẩn giống nhau để đánh giá tất cả các loại hình nghệ thuật. Nói một cách đơn giản, những người đánh giá nghệ thuật cần đưa ra các dữ kiện rồi dựa vào đó để đưa ra ý kiến ​​của họ. Cụ thể là các dữ kiện về bối cảnh và nội dung của tác phẩm nghệ thuật. Chúng ta càng thu thập được nhiều thông tin về bối cảnh văn hoá xã hội và giá trị nghệ thuật của tác phẩm thì đánh giá của chúng ta càng chính xác và sâu sắc.

(Tranh lụa " Nhấn chìm"- Họa sĩ Ngô Nhật Thanh)

“Đánh giá tác phẩm nghệ thuật” không đơn giản là thích hay không thích

Trước khi đi vào chi tiết về phương thức đánh giá, hãy nhấn mạnh lại rằng toàn bộ quan điểm của việc đánh giá nghệ thuật là giải thích “tại sao” chúng ta thích hoặc không thích một thứ gì đó, chứ không chỉ đơn giản là chúng ta thích nó hay không. Ví dụ: bạn có thể không thích một bức ảnh vì nó quá tối, nhưng bạn vẫn có thể thích chủ đề của nó hoặc đánh giá cao thông điệp tổng thể. Nếu chỉ nói đơn giản là ”Tôi không thích bức tranh này" là không đủ. Mà chúng tôi cần biết lý do đằng sau ý kiến ​​của bạn, và cả việc bạn nghĩ rằng công việc có những phẩm chất tích cực nào không.

Làm thế nào để “đánh giá tác phẩm nghệ thuật” ?

Cách dễ nhất để đánh giá chính xác một tác phẩm nghệ thuật là tìm hiểu bối cảnh. Bởi vì thông tin đó sẽ giúp chúng ta hiểu câu chuyện của họa sĩ tại thời điểm tác phẩm được tạo ra. Hãy coi đó là nghiên cứu cơ bản. 

1. Bối cảnh văn hoá, xã hội

Tác phẩm được tạo ra khi nào?

Biết được các mốc thời gian giúp bạn đánh giá cách thức nó được thực hiện và mức độ khó khăn của nó. Ví dụ, Tranh sơn dầu được sáng tác trước thời kỳ Phục Hưng thường sử dụng màu xanh làm từ đá khoáng Lapis Lazuli. Và một sự thật là sau thời kỳ Phục Hưng, chúng ta không còn được thấy sắc tố xanh lam tuyệt vời này trên tranh sơn dầu nữa.

(Tranh sơn dầu " Giấc mơ"- Họa sĩ Thụy Dương)

Tác phẩm mang tính trừu tượng hay tính đại diện?

Một bức tranh có thể hoàn toàn trừu tượng (có nghĩa là, nó không giống với bất kỳ hình dạng tự nhiên nào: một hình thức được gọi là nghệ thuật phi khách quan ), hoặc trừu tượng hữu cơ (một số giống với các hình thức hữu cơ tự nhiên), hoặc bán trừu tượng (hình và các đối tượng khác là có thể nhận biết được ở một mức độ nào đó), hoặc mang tính đại diện (nghĩa bóng và nội dung khác của nó có thể nhận ra ngay lập tức). Rõ ràng là một tác phẩm trừu tượng có những mục đích hoàn toàn khác với một tác phẩm tiêu biểu, vậy nên phải được đánh giá theo các tiêu chí khác nhau. 

Phân loại tác phẩm như thế nào ?

Tranh có nhiều loại hoặc nhiều thể loại khác nhau bao gồm: Phong cảnh, Chân dung, Sinh hoạt, Lịch sử và Tĩnh vật. Trong suốt thế kỷ 17, các học viện lớn của châu Âu (Học viện Nghệ thuật ở Rome, Học viện Nghệ thuật ở Florence, Học viện Parisian des Beaux-Arts, Học viện Hoàng gia ở London) đã tuân theo quy tắc được đặt ra bởi Giáo sư. Andre Felibien - Thư ký Viện Hàn lâm Pháp. Ngoài năm thể loại trên vẫn còn có một số loại tranh khác như: phong cảnh thành phố, tranh biển, biểu tượng, tiểu cảnh, tranh tường, đèn chiếu sáng, hình minh họa, biếm họa, phim hoạt hình, nghệ thuật áp phích, graffiti, tranh động vật,…

(Tranh sơn mài " Thơ ngây"- Họa sĩ Nguyễn Tú Quyên)

Bức tranh có liên quan đến trường phái hay phong trào nào?

"Trường phái" có thể là một nhóm họa sĩ quốc gia (Trường phái Ai Cập cổ đại, Trường phái Tây Ban Nha, Trường phái biểu hiện của Đức) hoặc một nhóm địa phương (Trường phái Hiện thực Hà Lan Delft, Trường phái Ashcan ở New York, Ecole de Paris), hoặc một phong trào thẩm mỹ chung (Baroque , Tân cổ điển, Chủ nghĩa Ấn tượng, Chủ nghĩa Dã thú, Chủ nghĩa Lập thể, Chủ nghĩa Siêu thực), một địa phương hoặc một nhóm nghệ sĩ (Der Blaue Reiter, Trường phái biểu hiện trừu tượng New York, Nhóm Cobra, Fluxus, Trường St Ives), hoặc thậm chí là khuynh hướng chung (chủ nghĩa hiện thực, chủ nghĩa biểu hiện). Ngoài ra, "trường phái" có thể là một thể loại cụ thể (Trường Barbizon và Trường Newlyn, cả hai nhóm cảnh quan; Tình anh em thời tiền Raphaelite, các bức tranh theo chủ đề lịch sử hoặc văn học), hoặc phương pháp vẽ tranh (Chủ nghĩa Tân ấn tượng, dựa trên Chủ nghĩa Pointill - một biến thể của lý thuyết màu sắc của Chủ nghĩa chia đôi) hoặc khía cạnh của thế giới tự nhiên (Chủ nghĩa kiến ​​tạo, dành cho phản ánh thế giới công nghiệp hiện đại), chính trị, hoặc các biểu tượng toán học. 

Ngoài ra, việc biết được bức tranh thuộc về phong trào nghệ thuật nào có thể giúp chúng ta hiểu rõ hơn về bố cục và ý nghĩa của bức tranh. Ví dụ, trong trường phái nghệ thuật Ai Cập , các họa sĩ phải tuân thủ các quy tắc cụ thể của hội họa liên quan đến bố cục và màu sắc. Do đó, các số liệu kích thước được định sẵn theo địa vị xã hội của họ, thay vì tham chiếu đến quan điểm tuyến tính. Đầu và chân luôn được nhìn nghiêng, trong khi mắt và phần trên cơ thể được nhìn từ phía trước. Các họa sĩ Ai Cập sử dụng không quá sáu màu: đỏ, lục, lam, vàng, trắng và đen - mỗi màu tượng trưng cho các khía cạnh khác nhau của cuộc sống hoặc cái chết. Tương tự, nghệ thuật phương Đông rất khác nghệ thuật Ai Cập huyền bí, hội họa Trung Quốc tập trung vào bản chất tinh thần bên trong của sự vật hơn là hình dáng bên ngoài.

Bức tranh được vẽ ở đâu?

(Tranh Acrylic " Tâm sự"- Họa sĩ Nguyễn Minh Hồng)

Biết được một bức tranh được tạo ra ở đâu và trong hoàn cảnh nào thường có thể nâng cao sự đánh giá và hiểu biết về tác phẩm đó. Dưới đây là một số ví dụ.

Michelangelo đã phải giữ thăng bằng liên tục trên đỉnh giàn giáo ọp ẹp khi thực hiện tác phẩm trên trần nhà nguyện Sistine trong suốt 4 năm từ 1508 đến 1512 mà hầu như không có sự trợ giúp. Biết rằng kiệt tác nghệ thuật Cơ đốc này được tạo ra tại chỗ , chứ không phải trong một studio ấm áp đẹp đẽ. 

Monet, nhà lãnh đạo của trường phái Ấn tượng Pháp , đã cống hiến cả cuộc đời mình cho những bức hoạ “ngoài trời”. Trong những năm cuối đời, ông có một khu vườn nước Nhật Bản với ao trồng hoa súng bên cạnh ngôi nhà của mình, và chính tại đây, ông đã cho ra đời hàng loạt bức tranh hoa súng khổng lồ của mình. 

Pissarro cũng chủ yếu vẽ ngoài trời và do đó luôn có một số lượng lớn các bức tranh chưa hoàn thành, vì ánh sáng thường mờ đi trước khi tác phẩm của ông được hoàn thành. Điều này giải thích tại sao anh ấy vẽ cùng một cảnh hoặc một họa tiết (để thu được ánh sáng khác nhau) và tại sao nét vẽ của anh ấy quá nhanh và lỏng lẻo.

Một nghệ sĩ đặc biệt thú vị là Edouard Vuillard người Pháp, người đã sống 60 năm với mẹ mình, một người thợ may, trong một loạt căn hộ ở Paris. Mẹ hoạ sĩ làm corset tại gia (corsetière) và điều này làm Vuillard có rất nhiều cơ hội để quan sát các mô hình, vật liệu, màu sắc và hình dạng của váy đi làm. Để rồi trở thành nguồn cảm hứng trong các tác phẩm của ông, chúng ta có thể tìm thấy họa tiết của các bức tranh của Vuillard.

Một lần, trong thời trẻ hoạt động nghệ thuật của mình, nghệ sĩ nhạc Pop tiên phong Robert Rauschenberg “được cho là" ​​nghèo đến mức phải ở trong căn hộ của mình và tự sơn chăn bông lên giường, bằng kem đánh răng và sơn móng tay. Đó chính là tác phẩm Chiếc giường (1995) 

B. Giá trị nghệ thuật

Chất liệu trong hội hoạ

Vật liệu được các hoạ sĩ ưa chuộng là sơn dầu trên toan bởi vì sự phong phú về màu sắc của sơn dầu cùng như khả năng thích ứng của toan vẽ. Tuy nhiên, việc kết hợp thêm acrylic hoặc màu nước được sử dụng thay cho dầu khi cần glazing. Hai hoạ sĩ biểu hiện trừu tượng người Mỹ Mark Rothko và Barnett Newman, cả hai đều nổi tiếng với những bức tranh hoành tráng vào những năm 1950, khi họ thử nghiệm với hỗn hợp sơn dầu - acrylic. Màu nước và sơn acrylic cũng khô nhanh hơn nhiều so với sơn dầu, do đó rất thích hợp cho những bức tranh cần khô nhanh. Ngoài ra, các hoạ sĩ còn kết hợp với tempera khi muốn sơn thành từng lớp rất mỏng.

(Tranh sơn mài "Cô Đồng"- Họa sĩ Kim Đoan)

Đôi khi bề mặt tranh, giá đỡ và khung của nó là những thứ tạo đặc điểm đặc trưng của tác phẩm nghệ thuật. Vào đầu những năm 1960, nghệ thuật đương đại của Pháp bị chi phối bởi nhóm nghệ sĩ, mà trong đó các thành viên vẽ những bức tranh khổ lớn mà không cần cáng (hỗ trợ vật lý đằng sau tấm bạt), và bức tranh thường được cắt, dệt hoặc vò nát. Họa sĩ người Ý Lucio Fontana cũng đã tạo nên tên tuổi của mình vào những năm 60 với những bức tranh sơn dầu "cắt xẻ" của mình, cho phép người thưởng ngoạn nhìn xuyên qua mặt phẳng bức tranh tới không gian ba chiều bên ngoài, mà bản thân nó đã trở thành một phần của tác phẩm. 

Chủ đề trong hội hoạ

Chủ đề của một bức tranh chính là những gì được thể hiện trong bức tranh. 

Nếu đó là một bức tranh lịch sử hoặc bức tranh thần thoại, hãy tự hỏi mình những câu hỏi sau: Bức tranh đang mô tả sự kiện nào? Những nhân vật nào có liên quan, và vai trò của họ là gì? Bức tranh chứa đựng thông điệp gì? 

Nếu đó là một bức tranh chân dung, hãy tự hỏi mình những câu hỏi sau: Ai là người đang giữ bức tranh ấy? Người họa sĩ vẽ chân dung như thế nào? Những đặc điểm nổi bật hoặc chú ý của nhân vật trong tranh? 

Nếu đó là một bức tranh sinh hoạt, hãy tự hỏi bản thân những câu hỏi sau: Những nhân vật trong tranh đang ở địa điểm, thời điểm nào? Hoạt động của những nhân vật đó là gì? Mối quan hệ giữa các nhân vật trong tranh? Bố cục sắp xếp vị trí của các nhân vật trong tranh? 

Nếu là một bức tranh phong cảnh, hãy tự hỏi mình những câu hỏi sau: Vị trí địa lý của khung cảnh trong hình là gì? Người họa sĩ đang muốn truyền tải điều gì cho chúng ta về phong cảnh? 

(Tranh lụa "Hoa baby"- Họa sĩ Nguyễn Văn Trinh)

Nếu là một bức tranh tĩnh vật, hãy tự hỏi bản thân những câu hỏi sau: Những đồ vật nào - dù có vẻ không đáng kể đến mức nào - được bao gồm trong bức tranh? Tại sao người họa sĩ lại chọn những món đồ đặc biệt này? Tại sao anh ta lại bày ra chúng theo cách anh ta có? 

Tranh tĩnh vật được biết đến với tính biểu tượng của chúng, vì vậy bạn nên phân tích các vật thể được vẽ, để xem mỗi vật có thể tượng trưng cho điều gì.

Bố cục trong tác phẩm

Bố cục là thiết kế tổng thể của bức tranh, thiết kế này rất quan trọng vì nó quyết định phần lớn tác động thị giác của người xem. Chính bởi vì một bức tranh có bố cục tốt sẽ thu hút và hướng mắt người xem xung quanh bức tranh. Những họa sĩ sáng tác xuất sắc được đào tạo trong các học viện lớn thường coi bố cục là một yếu tố cực kì quan trọng trong quá trình sáng tác tranh. Điển hình là Nicolas Poussin (1594-1665), Jad Ingres (1780–1867) và Edgar Degas (1834-1917).

Trong tác phẩm “The Holy family” cho thấy Joseph và Mary đang nghỉ ngơi bên cạnh một ngôi đền trong một thị trấn. Poussin đã thể hiện khả năng tuyệt vời của mình trong việc định vị mọi thứ trong bức tranh chính xác như nó phải có tạo ra sự hài hòa giữa các mảng sáng tối và truyền tải những thông điệp quan trọng nhất quán với chủ đề tổng thể. Nói một cách đơn giản, mọi thứ trong bức tranh đều có một mục đích rất cụ thể, và một vị trí cụ thể. 

Trong tác phẩm “La Grande Odalisque” ta có thể thấy phía sau của một phụ nữ khỏa thân vô danh đang ngồi trên giường trong một căn phòng ngủ không cửa sổ. Ingres đã tạo ra một sự sắp xếp mang tính biểu tượng cao về màu sắc, hình thức và góc độ, khiến bức tranh trở nên bí ẩn mãn nhãn.

Bức tranh “In a café” của Degas là một trong những bức tranh tuyệt vời nhất bao giờ, mô tả một cô gái điếm ngồi trong quán cà phê ở Paris, với một ly rượu absinthe trước mặt; một người đàn ông khác ngồi cạnh cô ấy. Cả hai đều chìm đắm trong suy nghĩ và trong thế giới riêng của họ. Trong tác phẩm này, Degas sử dụng một loạt các góc độ và đường nét, cũng như các gam màu tối u ám, để ghi lại sự cô độc đáng buồn của các nhân vật ở ngay giữa trung tâm của một thành phố lớn. 

Cả ba tác phẩm đều cung cấp một số hiểu biết quan trọng sẽ giúp bạn đánh giá cao bố cục của tranh.

Đường nét và các mảng trong tranh

(Tranh sơn dầu "Mùi cỏ cháy"- Họa sĩ Phan Thị Thủy)

Kỹ năng của một họa sĩ thường được bộc lộ ở đường nét (phác thảo), tạo ra và phác họa các hình dạng khác nhau trong bức tranh. Trong một câu chuyện nổi tiếng, một người bảo trợ quan trọng gửi sứ giả đến gặp Giotto - một họa sĩ vĩ đại thời kỳ tiền Phục Hưng. Người đưa tin đã yêu cầu Giotto cung cấp bằng chứng xác nhận danh tính của mình. Nghe thấy vậy, hoạ sĩ đã lấy ra một cây cọ vẽ và một mảnh vải lanh rồi vẽ lên trên đó một vòng tròn hoàn hảo. Sau đó anh ta đưa nó cho người đưa tin, nói: "Chủ nhân của anh sẽ biết chính xác ai đã vẽ bức tranh này." 

Đường nét là một yếu tố quan trọng trong cấu trúc của một bức tranh và là một tiêu chí đánh giá một người nghệ sĩ dưới góc nhìn của các chuyên gia thời kỳ Phục Hưng. Người có khả năng vẽ phác thảo giỏi là những họa sĩ chuyên vẽ chân dung, những đường nét của họ gần như không có lỗi. Một ví dụ về họa sĩ vẽ chân dung được đào tạo kinh điển John Singer Sargent (1856–1925) - bậc thầy của kỹ thuật " cuộc đảo chính cuối cùng “,  mỗi nét của ông đều chính xác đến từng chi tiết, không bao giờ ông phải vẽ lại. Trong số các nghệ sĩ hiện đại không qua đào tạo cổ điển, Van Gogh và Gauguin được đánh giá là có những đường nét đặc biệt mạnh mẽ và tự tin.

Hoà sắc trong tranh

Màu sắc là yếu tố ảnh hưởng lớn đến cảm xúc và đóng một phần quan trọng trong cách đánh giá cao nghệ thuật. Mỗi một hoạ sĩ lại có những hoà sắc và gam màu của riêng họ. Lấy ví dụ các bức tranh của Mark Rothko . Rothko là một trong những họa sĩ đầu tiên tạo ra những bức tranh trừu tượng khổng lồ với nhiều màu sắc phong phú - vàng, cam, đỏ, xanh lam, chàm và tím violet. Mục đích của anh ấy là kích thích được cảm xúc từ người xem. Trong lịch sử, chủ nghĩa ấn tượng và chủ nghĩa biểu hiện (đặc biệt là chủ nghĩa Dã thú) là những phong trào quốc tế đầu tiên khai thác hết tiềm năng của màu sắc. Các họa sĩ hàn lâm tuân thủ các cách phối màu thông thường - cỏ xanh, biển xanh, xám,…, nhưng các họa sĩ hiện đại đã vẽ những gì họ tận mắt nhìn thấy (Những người theo trường phái ấn tượng) hoặc họ cảm thấy như thế nào (Những người theo trường phái Biểu hiện). Nghệ thuật tượng hình được xử lý tương tự như phong cảnh: do đó, "Matisse người Nga" Alexei von Jawlensky (1864-1941) đã đặt ra các tiêu chuẩn mới cho việc sử dụng màu sắc trong vẽ chân dung. Đồng thời, hoạ sĩ Degas cũng sử dụng màu sắc để thêm độ bóng cho các ngôi sao ba lê của mình, và tăng sự tuyệt vọng với người uống rượu absinthe của anh ấy. 

(Tranh màu nước "Hoàng hôn ở làng chài"- Họa sĩ Thụy Dương)

Tóm lại, các họa sĩ sử dụng màu sắc để kích thích cảm xúc, nắm bắt các hiệu ứng tự nhiên của ánh sáng, tạo nét đặc trưng cho hình hoặc cảnh và thêm chiều sâu cho tác phẩm. Nó cũng có thể được sử dụng để thu hút ánh nhìn của người xem. Nếu bạn muốn học cách đánh giá cao các bức tranh, hãy chú ý đến cách người họa sĩ sử dụng màu sắc. Hãy tự hỏi bản thân: Tại sao lại chọn màu này? Nó đóng góp như thế nào vào tâm trạng hoặc bố cục của bức tranh? Các màu khác nhau được sử dụng liên quan với nhau như thế nào? Chúng tạo ra sự hài hòa hay đối chọi gay gắt?

Bút pháp của một hoạ sĩ

Khi nói đến việc học cách đánh giá bút pháp của một hoạ sĩ, không có gì thay thế cho việc đến thăm một phòng trưng bày hoặc viện bảo tàng và xem một số bức tranh sơn dầu. Ngay cả những cuốn sách nghệ thuật hay nhất cũng không có khả năng tái tạo lại nét bút đó. Ta có thể thấy rằng những họa sĩ được đào tạo theo phương pháp cổ điển là những người xuất sắc trong việc tạo ra các bút pháp đặc trưng. Nét vẽ có thể chặt chẽ (chậm hơn, chính xác, có kiểm soát) hoặc phóng khoáng (nhanh hơn, bình thường hơn, biểu cảm hơn). Nó được xác định phần lớn bởi phong cách và chủ đề của bức tranh. Caravaggio có tính khí nóng nảy dữ dội, tuy nhiên trong các bức tranh của ông ấy, ta lại thấy cọ vẽ được kiểm soát rất tốt. Cezanne là người có tính khí chậm chạp, anh ấy vẽ chậm đến nỗi tất cả những trái cây trong bức tranh tĩnh vật của anh ấy đã bị thối rữa hàng tuần trước khi anh ấy hoàn thành. Tuy nhiên, nét vẽ trong nhiều tác phẩm của anh ấy đặc biệt phóng khoáng. Tóm lại, chúng ta có thể nói rằng nét vẽ của các họa sĩ theo trường phái hiện thực có xu hướng có chủ ý hơn và được kiểm soát nhiều hơn so với các họa sĩ theo trường phái biểu hiện. 

Khi những người theo trường phái Ấn tượng tổ chức cuộc triển lãm đầu tiên của họ ở Paris, vào năm 1874, các nhà phê bình và khán giả đã kinh hoàng trước cái mà họ gọi là "sự luộm thuộm" của những nét vẽ. Ngày nay, chúng ta khá thoải mái với trường phái Ấn tượng mặc dù ngay từ khi mới xuất hiện, bởi vì những nét vẽ phóng khoáng của nó mà đã gây ra một vụ tai tiếng.

Tính thẩm mỹ trong hội hoạ

Thẩm mỹ là một chủ đề mang tính cá nhân mạnh mẽ. Tất cả chúng ta đều nhìn nhận mọi thứ khác nhau, bao gồm cả "nghệ thuật", và đặc biệt là "vẻ đẹp". Bản thân hội họa trước hết là nghệ thuật thị giác thế nên nếu được hỏi bức tranh có đẹp hay không, bạn có khả năng trả lời ngay lập tức. Tuy nhiên, nếu sau đó bạn được yêu cầu đánh giá vẻ đẹp của một bức tranh, bạn cần phải đưa ra ý nghĩa, giải thích và lý do thì đó lại là một câu chuyện khác. 

Sự so sánh giữa các tác phẩm

Tất cả mọi thứ chỉ là tương đối. Vậy làm thế nào để bức tranh trước mặt bạn có thể so sánh được với các loại tranh tương tự của cùng một họa sĩ? Nếu đó là một tác phẩm mới, bạn có thể thấy nó được cải thiện so với những tác phẩm trước đó và ngược lại. Nếu bạn không thể tìm thấy những điểm khác nhau giữa chúng, hãy thử xem các tác phẩm tương tự của các họa sĩ khác. Tốt nhất, hãy bắt đầu với những tác phẩm được vẽ trong cùng một thập kỷ, và sau đó dần dần tiến về phía trước theo thời gian.

Nguồn: http://www.visual-arts-cork.com/art-evaluation.htm#evaluation 

Biên dịch: Trang Hà

Biên tập: Ahndoar