Bảng chú giải cơ bản thuật ngữ Vermeer về Nghệ thuật (Phần 1)

Bài viết này chứa một số thuật ngữ được tìm thấy trên trang web hiện tại mà có thể không rõ ràng đối với tất cả độc giả, đặc biệt khi được sử dụng trong bối cảnh của một cuộc thảo luận về lịch sử nghệ thuật. Một số thuật ngữ được đánh dấu bằng biểu tượng chữ lồng của Vermeer, được xem xét vì chúng liên quan đặc biệt đến nghệ thuật của Vermeer. 

Cuốn sách hoàn chỉnh về kỹ thuật và chất liệu hội họa thế kỷ XVII, đặc biệt tập trung vào bức tranh của Johannes Vermeer.

Dammar Varnish

Chân dung Johannes Vermeer

Dammar là một loại nhựa cây từ Malaysia, Borneo, Java hoặc Sumatra. Loại vecni này giữ được vẻ ngoài không màu lâu hơn bất kỳ loại vecni nào khác. Nó thường được cấu tạo từ một loại nhựa duy nhất, chẳng hạn như Dammar hoặc một loại tổng hợp. Dammar chứa một tỷ lệ cao các loại củ cải hoặc rượu mạnh. Điều này có nghĩa là nó không tạo thành một lớp dày như vecni thông thường và do đó được sử dụng để làm nổi bật vẻ ướt hoàn toàn của sơn dầu trên nền khô trước khi tiếp tục sơn. Vecni Dammar có màu vàng và dễ nứt, như tất cả các loại vecni khác, nhưng ít hơn các loại khác. Việc bổ sung Dammar vào môi trường sơn sẽ làm tăng thêm độ rực rỡ và độ sáng cho màu sắc.

Màu chết (tiếng Hà Lan: dood-verf)

Màu chết (trong tiếng Hà Lan, dood-verf), tương đương với thuật ngữ ngày nay "sơn dưới", là một phiên bản đơn sắc hơn hoặc ít hơn của bức tranh cuối cùng cung cấp khối lượng, gợi ý chất, chứng minh các yếu tố thành phần chính, phân phối các vùng tối và sáng. Vào thế kỷ XVII, màu chết xuất hiện dưới nhiều hình thức khác nhau.

Màu chết rất quan trọng trong quá trình vẽ tranh đến nỗi nó là bắt buộc trong những ngày đầu của hội họa Flemish. Vào năm 1546, một trong những quy tắc của guild Hertogenbosch quy định 7  mục. Tất cả các họa sĩ sẽ phải làm việc với loại sơn tốt, họ sẽ không vẽ bất kỳ bức tranh nào hơn trên ván gỗ sồi khô tốt hoặc sơn mài, mỗi màu sẽ chết trước.

Theo những gì có thể hiểu được, Vermeer đã sử dụng phương pháp tô màu chết phổ biến ở các họa sĩ miền Bắc.

Trong “Người đàn bà cầm cân”, màu chết nâu (màu nâu thô và  màu đen) thể hiện hai chức năng: các vùng sơn màu nâu sẫm rộng hơn thể hiện khối lượng bóng tối với màu sáng của mặt đất đóng vai trò như ánh sáng. Trong thời kỳ đầu của Diana và những người bạn họ dùng một lớp sơn phủ được chải kỹ lưỡng sau đó là một màu chết đơn sắc để xác định các dạng cơ bản của bố cục. Một số màu chết có thể được tạo ra ở đây và ở đó thông qua các lớp sơn mài mòn.

Nghệ thuật trang trí

Nghệ thuật trang trí là nghệ thuật liên quan đến việc thiết kế và sản xuất các đồ vật vừa có tính thẩm mỹ vừa mang tính ứng dụng cao. Nó bao gồm thiết kế nội thất, nhưng thường không phải là kiến ​​trúc. Nghệ thuật trang trí thường được phân loại đối lập với "mỹ thuật", cụ thể là hội họa. Người ta cho rằng vẽ, nhiếp ảnh và điêu khắc, thường được cho là không có chức năng nào khác ngoài việc để chiêm ngưỡng. Sự khác biệt giữa nghệ thuật trang trí và mỹ thuật bắt nguồn từ nghệ thuật hậu Phục Hưng của phương Tây nhưng ít có ý nghĩa hơn nhiều khi xem xét nghệ thuật của các nền văn hóa và thời kỳ khác.

Decorum

Decorum (từ tiếng Latinh: "đúng, thích hợp") là một nguyên tắc của lý thuyết hùng biện, thơ ca và sân khấu cổ điển nói về sự phù hợp của một chủ đề sân khấu. Khái niệm decorum cũng được áp dụng cho các giới hạn quy định về hành vi xã hội phù hợp trong các tình huống đã định và sự phù hợp của chủ đề và phong cách trong hội họa. Decorum cũng xác định rằng chủ đề tượng hoặc điêu khắc phù hợp với bối cảnh kiến ​​trúc, chẳng hạn như lò rèn của Vulcan trên lò sưởi, hoặc rằng các loại tòa nhà phù hợp với bối cảnh thành thị hoặc nông thôn hoặc phù hợp với những người có địa vị nhất định. Các chức năng phụng vụ bị ảnh hưởng bởi decorum quy định việc bố trí các bức tranh, đồ khảm và điêu khắc trong các tòa nhà tôn giáo.

Cô gái với bông tai ngọc trai (1665) của Johannes Vermeer

Ban đầu là một thuật ngữ văn học, lần đầu tiên nó được sử dụng liên quan đến nghệ thuật thị giác vào thời Phục Hưng trong các tác phẩm của Leonardo da Vinci (1452–1519). Theo lý thuyết Decorum của da Vinci, những cử chỉ mà một nhân vật thực hiện không chỉ thể hiện cảm xúc mà còn phải phù hợp với độ tuổi, cấp bậc và vị trí. Vì vậy, cũng phải ăn mặc, bối cảnh mà đối tượng di chuyển và tất cả các chi tiết khác của bố cục. Tư duy như vậy đã ảnh hưởng lớn đến nghệ thuật hàn lâm, đặc biệt là hội họa lịch sử, từ thời Phục Hưng đến thế kỷ XIX. Theo những lời gièm pha của ông, tội lỗi lớn của Caravaggio (1571–1610), người đã từ chối nghiên cứu tác phẩm điêu khắc cổ đại hoặc các bức tranh của Raphael (1483–1520), là sự thiếu trang trí trong chủ đề và sự bắt chước tự nhiên được cho là không được lọc của ông.

Độ sâu / Độ sâu (màu)

Màu có độ sâu khi nó có độ sáng thấp và độ bão hòa mạnh. Đối lập với các màu đậm cả về giá trị và độ bão hòa là các màu nhạt, chẳng hạn như vàng- thiếc và trắng. Một số loại sơn vốn có độ sâu, chẳng hạn như ultramarine tự nhiên và màu đỏ thẫm của alizarin.

Độ xa gần

Trong nhiếp ảnh, khoảng cách giữa điểm gần nhất và điểm xa nhất của đối tượng được coi là sắc nét có thể chấp nhận được dọc theo một mặt phẳng hình ảnh chung. Đối với hầu hết các đối tượng, nó kéo dài một phần ba khoảng cách phía trước và hai phần ba khoảng cách phía sau điểm được lấy nét.

Mặc dù mắt người sử dụng thấu kính lồi nhưng không có nhận thức về độ sâu trường ảnh bởi vì thấu kính liên tục thay đổi hình dạng của nó để đưa bất cứ thứ gì nó đang nhìn vào thành tiêu điểm hoàn hảo. Trong các hình thức biểu diễn hình ảnh truyền thống, ngay cả những hình thức bao gồm phong cảnh rộng lớn nơi độ sâu trường ảnh rất đáng chú ý với một máy ảnh hiện đại, cũng không có độ sâu trường ảnh thực sự. Tuy nhiên, đến thời kỳ Phục Hưng, các họa sĩ bắt đầu làm mềm một cách có hệ thống các đường viền và mô hình hóa các vật thể được nhìn thấy ở khoảng cách xa như một phương tiện để tăng cường ảo giác về chiều sâu.

Các nhà sử học nghệ thuật đã đưa ra nhiều điều dường như là một sự thay đổi có chủ ý về tiêu điểm trong các bức tranh của Vermeer, có lẽ là do nghệ sĩ đã sử dụng một thiết bị quang học gọi là camera obscura, sử dụng một thấu kính lồi duy nhất. Một số người cho rằng bằng cách quan sát một số khía cạnh nhất định của hình ảnh bằng máy ảnh, có trường độ sâu đặc biệt bị hạn chế, nghệ sĩ đã lấy cảm hứng và mô phỏng các hiệu ứng như vậy trong các bức tranh như "The Art of Painting" và "The Lacemaker", trong đó các đối tượng ở tiền cảnh bị mờ đến mức mà chúng hầu như không thể nhận ra.

Thiết kế

Các từ "thành phần" và "thiết kế" khi được áp dụng cho nghệ thuật thị giác thường được sử dụng như thể chúng có thể hoán đổi cho nhau, nhưng mỗi từ đều có ý nghĩa khác nhau. Bố cục là sự sắp xếp các phần khác nhau của một bức tranh và kể một câu chuyện nhất định. Thay vào đó, thiết kế là sự sắp xếp của một khuôn mẫu hợp ý hoặc quan trọng, một khuôn khổ chính thức bổ sung cho bố cục và câu chuyện của nó. Trong số nhiều yếu tố khác của thiết kế, là việc loại bỏ các khối tối để chúng cân bằng dễ dàng với khối sáng. Trong nghệ thuật thương mại hiện đại, như ai cũng biết, nhà thiết kế rất chú trọng đến việc liên kết các khối tối của áp phích hoặc bảng quảng cáo của mình có liên quan đúng với khối sáng. Nói một cách chính xác, trong khi chức năng của sáng tác là tường thuật, thì chức năng của thiết kế là thẩm mỹ.

Nguồn: http://www.essentialvermeer.com/glossary/glossary_d_i.html

Biên dịch: Hưng

Biên tập: Trang Hà