Sau nhiều năm thống trị của hội họa tả thực, hội họa trừu tượng đã trở lại mạnh mẽ hơn bao giờ hết tại các phòng trưng bày ở New York.

( Triển lãm của Oliver Lee Jackson tại Andrew Kreps Gallery )

Sau nhiều năm hội họa theo phong cách hình tượng, nghệ thuật trừu tượng đang quay trở lại mạnh mẽ hơn bao giờ hết trong các gallery tranh trừu tượng tại New York. 

New York là một thành phố thay đổi nhanh chóng qua các trào lưu nghệ thuật, vì vậy việc hội họa hình tượng duy trì sức ảnh hưởng gần một thập kỷ là điều khá bất ngờ. Nhưng giờ đây, đã có dấu hiệu cho thấy nghệ thuật trừu tượng đang nổi lên mạnh mẽ trong các gallery tranh trừu tượng, sau một khoảng thời gian khá yên ắng. Những nét bút phóng khoáng và các mảng màu phi cân bằng đang dần trở thành chuẩn mực mới, thay thế cho chân dung và các bố cục siêu thực vốn là đặc trưng lâu dài của không gian trưng bày mặt tiền và các sàn đấu giá.

 Vậy loại nghệ thuật trừu tượng này là gì? Nó không hoàn toàn là “zombie formalism” như nhà phê bình Walter Robinson gọi tên những sáng tác có phần máy móc của các họa sĩ nổi loạn giai đoạn đầu những năm 2010. Nó cũng không phải là Neo-Neo-Expressionism, và cũng không hẳn là Neo-Neo-Geo hay “tân” bất cứ điều gì, bởi một số trong đó thực sự khá cổ điển.

 Đây là lúc sự ám ảnh mang tính đặc thù của New York với hội họa giao thoa với sự quan tâm quốc tế dành cho “tái khám phá” — những nghệ sĩ từng bị bỏ qua khỏi hệ thống quy chuẩn nghệ thuật và nay đang có cơ hội thứ hai, dù đang ở giai đoạn cuối sự nghiệp hay sau khi qua đời. Một người hoài nghi có thể cho rằng các triển lãm hiện tại ở New York chỉ là cách thức kiếm lợi nhuận, trong khi người lạc quan sẽ nói rằng sự quan tâm của giới kinh doanh nghệ thuật đối với các nghệ sĩ ít được ghi nhận là dấu hiệu tích cực cho xu hướng mở rộng phạm vi chuẩn mực nghệ thuật toàn cầu. Vì yếu tố thương mại và hệ thống chuẩn hóa nghệ thuật luôn gắn kết chặt chẽ tại thành phố này, có lẽ cả hai góc nhìn đều đúng. 
Liệu giai đoạn bùng nổ tranh nghệ thuật trừu tượng này có kéo dài hay không sẽ phụ thuộc vào việc giới kinh doanh nghệ thuật có tận dụng được cơ hội này hay không — điều khó đoán trong bối cảnh kinh tế hiện tại. Nhưng ít nhất, nghệ thuật trừu tượng đang xuất hiện trong các gallery tranh trừu tượng tại New York đang tạo cảm giác mới mẻ, thú vị và xứng đáng được chú ý. Sau đây là ba triển lãm tranh trừu tượng cao cấp đáng tham quan tại New York. 

Oliver Lee Jackson Tại Phòng tranh Andrew Kreps
Cần bằng chứng rằng hội họa hình tượng đang dần phai mờ? Hãy nhìn vào triển lãm của Oliver Lee Jackson tại Andrew Kreps ở Tribeca, nơi hình ảnh con người tan biến vào các mảng bút họa rung động. Nói rằng Jackson không quan tâm đến hình tượng là chưa chính xác — các bức tranh của ông đang được trưng bày cạnh những tác phẩm điêu khắc đầy cuốn hút về các bộ phận cơ thể, trong đó có tác phẩm hai con mắt chạm khắc tinh tế từ một khối đá cẩm thạch thô. Tuy nhiên, trong tranh, Jackson để hình tượng gần như biến mất trước khi cho chúng xuất hiện trở lại. Đây không phải hoàn toàn là nghệ thuật trừu tượng, vì tranh của ông phát triển theo thời gian, bộc lộ dần ý nghĩa. Hiệu ứng này rõ nhất trong tác phẩm Painting (1.5.88), 1988, nơi một hàng hoa rơi xuyên qua khoảng trống đen tối. Chỉ khi quan sát lâu, người xem mới nhận ra trong màu đen có các mảng xanh đậm, nâu đỏ và xám đục. Quan sát lâu hơn nữa, người xem nhận ra mỗi mảng màu là một hình người không mặt. Những tác phẩm như vậy cho thấy mắt người chỉ chọn nhìn điều mình muốn thấy, cắt bỏ những lớp hình ảnh quá tải. Jackson chỉ mới xuất hiện gần đây trong hệ thống tranh trừu tượng cao cấp với việc trưng bày tại Andrew Kreps, Blum và Lisson trong vài năm qua. Không thể phủ nhận rằng tư duy trung tâm New York đã khiến ông bị loại khỏi tầng thượng lưu của thị trường nghệ thuật trong thời gian dài. Ông từng làm việc vào những năm 1960 tại St. Louis, nơi ông hoạt động trong nhóm Black Artists Group, sau đó chuyển đến California vào những năm 1970 và sống tại đây cho đến nay. Dù muộn, nhưng còn hơn không. Triển lãm tại Kreps là minh chứng để tiếp tục theo dõi ông. Tại 22 Cortlandt Alley, trưng bày đến ngày 12 tháng 4. 

Cynthia Hawkins tại Paula Cooper Gallery. 
Trong những năm 1970 và 1980, Just Above Midtown — một gallery tranh trừu tượng tại New York do Linda Goode Bryant sáng lập — đã góp phần thúc đẩy sự nghiệp của nhiều nghệ sĩ mà đến nay các giám tuyển và giới kinh doanh nghệ thuật mới bắt đầu nhìn lại. (Có thể cảm ơn triển lãm tại Museum of Modern Art do T. Jean Lax thực hiện khi làm sống lại sự quan tâm với không gian này). Tại Paula Cooper Gallery, 47 năm sau khi lần đầu trưng bày tại Just Above Midtown, Cynthia Hawkins một lần nữa bước vào tâm điểm với loạt tranh mới khiến người xem “choáng ngợp thị giác”.

Nền tảng của loạt tác phẩm mới này bắt nguồn từ hành trình đi bộ của Hawkins từ căn hộ trên đường West 83rd đến ga tàu điện gần đó — một tuyến đường được bà phác họa và xoay chéo 45 độ. Có thể nhằm phản ánh các tuyến phố đan xen của Upper West Side, lưới ô vuông lặp lại trong tranh mới, xuất hiện xuyên qua các lớp màu vàng và đỏ. Nhưng bản đồ của Hawkins nhanh chóng tan rã trong các mảng màu rộng, các khối cầu màu chanh và nét bút sáp dầu. Điều này khiến tranh của bà gợi nhớ đến Julie Mehretu, người sử dụng bản vẽ quy hoạch, bản đồ và sơ đồ làm nền tảng cho tranh nghệ thuật trừu tượng, trước khi để chúng tự phá vỡ và tái cấu trúc.

Các tác phẩm mới thuộc loạt “Maps Necessary for a Walk in 4D” — cái tên gợi ý mong muốn mô tả chiều không gian thứ tư bằng một chất liệu vốn đại diện cho không gian hai chiều. Cuối cùng, tranh của Hawkins không thực sự phá vỡ không gian-thời gian, nhưng thật khó để trách một họa sĩ giàu trí tưởng tượng. Tác phẩm được đánh giá cao nhất, Chapter 3: Maps Necessary for a Walk in 4D #1 (2024), cho thấy lưới xanh cứng chuyển thành lưới mềm đàn hồi, như chiếc lưới không thể chứa nổi sự hỗn độn xung quanh. Hawkins vẽ các nét sáp xanh và đen lên lưới, tạo ra cảm giác như tia sáng hay vết nứt sắp làm sụp đổ tất cả. Tại 534 West 21st Street, trưng bày đến ngày 3 tháng 5.

 Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori tại Karma, 

Mang đặc trưng của tranh nghệ thuật trừu tượng và được đánh giá như một dạng tranh trừu tượng cao cấp chứa đựng chiều sâu văn hoá. Nghệ sĩ Kaiadilt, Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori, sinh năm 1924 tại Mirdidingki, đảo Bentinck thuộc Vịnh Carpentaria, Úc, và chỉ bắt đầu vẽ khi đã ngoài 80 tuổi — nhiều thập kỷ sau khi bà và cộng đồng bị đưa ra khỏi hòn đảo bởi các nhà truyền giáo. Tựa đề “My Country” (2007), một trong những tác phẩm đầu tiên, gợi ý nỗ lực lấy lại quê hương. Dù vậy, với những mảng màu acrylic rực rỡ không pha trộn, tác phẩm không tái hiện chi tiết Mirdidingki, mà giống ký ức mơ hồ. Tuy nhiên, sáng tác My Country không xuất phát từ nỗi buồn. Bà đã hát khi vẽ tại Mornington Island Art Centre, “giữ sự kết nối với quê hương trên đảo Bentinck”, như lời cháu gái Tori. Với Gabori, sáng tác là niềm vui, điều thể hiện rõ qua Rock Cod Story Place – Freshwater (2005), nơi đường tím tạo ra những vòng màu scarlet và xanh dương đầy sức sống. Được đặt tên theo tổ tiên tạo ra vùng Dibirdibi của Bentinck, tác phẩm mang mong muốn tìm thấy niềm vui thị giác giữa mất mát. Gabori đã có triển lãm hồi cố ở Queensland và Paris, nhưng triển lãm tại Karma được giới thiệu như lần đầu ở New York. Để tạo kết nối với khán giả New York, gallery tranh trừu tượng đã đối chiếu bà với truyền thống họa sĩ New York như Clyfford Still và Amy Sillman, dù cũng nhấn mạnh rằng thực hành của bà “phát triển độc lập khỏi lịch sử mỹ thuật phương Tây”. Có thể nhìn vào My Country (2009) và thấy khối magenta lớn tương đồng với các mảng màu đỏ của Mark Rothko. Nhưng Rothko là nhà hình thức luận với phương pháp làm màu trở nên nặng nề, còn Gabori hoàn toàn khác: một phụ nữ thổ dân dùng hội họa để kể câu chuyện dân tộc mình. Các mảng màu của bà được phủ bằng nét trắng, phá vỡ sự thuần khiết màu sắc của Rothko — dù có chủ ý hay không. Tại 549 West 24th Street, trưng bày đến ngày 12 tháng 4.

Nguồn : After Years of Figurative Painting, Abstraction Roars Back in New York’s Galleries Better Than Ever

Biên dịch : Bảo Long