Phong trào nghệ thuật phương Tây và tác động của chúng

Nền tảng của lịch sử nghệ thuật có thể bắt nguồn từ hàng chục nghìn năm khi các nền văn minh cổ đại sử dụng các kỹ thuật và phương tiện sẵn có để mô tả các chủ đề có ý nghĩa văn hóa. Nhiều phong trào nghệ thuật đã ra đời, mỗi phong trào mang những phong cách và đặc điểm riêng biệt phản ánh nền chính trị và xã hội của thời kỳ mà chúng xuất hiện.Cho dù bạn là một nhà sưu tập đầy tham vọng hay chỉ là một nhà phê bình nghệ thuật thì việc nghiên cứu các chuyển động chính của lịch sử nghệ thuật là một điểm đáng để bắt đầu.

Các thể loại nghệ thuật có ảnh hưởng từ thời Phục hưng đến sự trỗi dậy của chủ nghĩa Hiện đại chắc chắn đã ghi dấu ấn trong lịch sử. Với nhiều nghệ sĩ ngày nay như Banksy, Kerry James Marshall, Mickalene Thomas và Kehinde Wiley luôn truyền tải các tham chiếu lịch sử nghệ thuật vào các tác phẩm đương đại, việc hiểu được bối cảnh lịch sử và ý nghĩa của từng thời kỳ và phong trào là rất quan trọng đối với các nhà sưu tập cũng như những người đam mê nghệ thuật. Dưới đây là dòng thời gian toàn diện của các phong trào nghệ thuật khám phá các đặc điểm, những người đóng góp hàng đầu và những ảnh hưởng quan trọng của từng thời kỳ nổi bật trong lịch sử nghệ thuật phương Tây.

Nghệ thuật Tiền sử (~ 40.000–4.000 trước Công nguyên)

Nguồn gốc của lịch sử nghệ thuật có thể được bắt nguồn từ thời Tiền sử, trước khi các ghi chép bằng văn bản được lưu giữ. Các hiện vật sớm nhất đến từ thời kỳ đồ đá cũ, hoặc thời kỳ đồ đá cũ, dưới dạng chạm khắc trên đá, bản khắc, hình ảnh, tác phẩm điêu khắc và sắp xếp đá.

Nghệ thuật từ thời kỳ này dựa vào việc sử dụng các chất màu tự nhiên và chạm khắc trên đá để tạo ra các hình tượng đại diện cho các đồ vật, động vật và các nghi lễ chi phối sự tồn tại của một nền văn minh. Một trong những ví dụ nổi tiếng nhất là những bức tranh hang động thời kỳ đồ đá cũ được tìm thấy trong các hang động phức tạp của Lascaux ở Pháp. Mặc dù được phát hiện vào năm 1940, chúng được ước tính lên đến 20.000 năm tuổi và mô tả các loài động vật và thảm thực vật lớn trong khu vực.

Tranh vẽ trên tường đá tại hang Lascaux, Pháp

Nghệ thuật cổ đại (4.000 trước Công nguyên - 400 trước Công nguyên)

Nghệ thuật cổ đại được tạo ra bởi các nền văn minh tiên tiến, trong trường hợp này là những nền văn minh có ngôn ngữ viết lâu đời. Những nền văn minh này bao gồm Lưỡng Hà, Ai Cập, Hy Lạp và châu Mỹ.

Phương tiện của một tác phẩm nghệ thuật từ thời kỳ này khác nhau tùy thuộc vào nền văn minh đã tạo ra nó, nhưng hầu hết các tác phẩm nghệ thuật đều phục vụ các mục đích tương tự: kể chuyện, trang trí các đồ vật hữu dụng như bát/ vũ khí, hiển thị hình ảnh tôn giáo và biểu tượng, thể hiện địa vị xã hội. Nhiều tác phẩm mô tả những câu chuyện về những người cai trị, các vị thần và các nữ thần.

Một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất từ thời Lưỡng Hà cổ đại là Bộ luật Hammurabi. Được tạo ra vào khoảng năm 1792 trước Công nguyên, tác phẩm mang một bộ luật của người Babylon được khắc trên đá, được trang trí bởi hình ảnh của Vua Hammurabi- vị vua thứ sáu của Babylo và vị thần Lưỡng Hà, Shabash.

Bộ luật Hammurabi, sáng tác 1792 TCN

Nghệ thuật Trung cổ (500–1400)

Thời kỳ Trung cổ, thường được gọi là “Thời kỳ đen tối”, đánh dấu một thời kỳ suy thoái kinh tế và văn hóa sau sự sụp đổ của Đế chế La Mã vào năm 476 sau Công nguyên. Phần lớn các tác phẩm nghệ thuật được sản xuất trong những năm đầu của thời kỳ này phản ánh bóng tối đó, đặc trưng bởi hình ảnh kỳ cục và khung cảnh tàn bạo. Nghệ thuật được sản xuất trong thời gian này tập trung xung quanh Nhà thờ. Khi thiên niên kỷ đầu tiên trôi qua, các nhà thờ được trang trí cầu kỳ và công phu hơn đã xuất hiện; cửa sổ và bóng được tô điểm bằng các chủ đề và cảnh trong Kinh thánh từ thần thoại cổ điển.

Thời kỳ này cũng là nguyên nhân dẫn đến sự xuất hiện của các bản thảo được chiếu sáng và phong cách kiến trúc Gothic. Các ví dụ rõ ràng về nghệ thuật có ảnh hưởng từ thời kỳ này bao gồm hầm mộ ở Rome, Hagia Sophia ở Istanbul, Tin mừng Lindisfarne, một trong những ví dụ nổi tiếng nhất về bản thảo được chiếu sáng, và Notre Dame, một nhà thờ lớn ở Paris và là ví dụ nổi bật của kiến trúc Gothic.

"Thánh giá" của Cimabue, sáng tác năm 1288

Nghệ thuật Phục hưng (1400–1600)

Phong cách hội họa, điêu khắc và nghệ thuật trang trí này được đặc trưng bởi sự tập trung vào thiên nhiên và chủ nghĩa cá nhân, tư tưởng về con người là độc lập và tự chủ. Mặc dù những lý tưởng này xuất hiện vào cuối thời Trung cổ, nhưng chúng đã phát triển mạnh mẽ trong thế kỷ 15 và 16, song song với những thay đổi xã hội và kinh tế như thế tục hóa. Thời kỳ Phục hưng đạt đến đỉnh cao ở Florence, Ý, một phần lớn là nhờ Medici, một gia đình thương gia giàu có, người kiên quyết ủng hộ nghệ thuật và chủ nghĩa nhân văn, một loạt các niềm tin và triết lý đặt trọng tâm vào thế giới con người. Nhà thiết kế người Ý Filippo Brunelleschi và nhà điêu khắc Donatello là những nhà sáng tạo quan trọng trong thời kỳ này.

Thời kỳ Phục hưng Cao, kéo dài từ năm 1490 đến năm 1527, đã sản sinh ra những nghệ sĩ có ảnh hưởng như Leonardo da Vinci, Michelangelo và Raphael, mỗi người đều mang lại sức mạnh sáng tạo và những lý tưởng đi đầu về biểu hiện cảm xúc. Tác phẩm nghệ thuật trong suốt thời kỳ Phục hưng được đặc trưng bởi chủ nghĩa hiện thực, chú ý đến chi tiết và nghiên cứu chính xác về giải phẫu con người. Các nghệ sĩ đã sử dụng phối cảnh tuyến tính và tạo ra chiều sâu thông qua ánh sáng và bóng đổ cường độ cao. Nghệ thuật bắt đầu thay đổi về mặt phong cách ngay sau thời kỳ Phục hưng cao, khi những xung đột giữa đức tin Cơ đốc và chủ nghĩa nhân văn nhường chỗ cho Chủ nghĩa đàn ông.

Trường học Athens của Raphael, sáng tác năm 1511

Mannerism (1527–1580)

Các nghệ sĩ theo trường phái Mannerist xuất hiện từ những lý tưởng của Michelangelo, Raphael và các nghệ sĩ Hậu Phục hưng khác, nhưng sự tập trung vào phong cách và kỹ thuật của họ vượt trội hơn ý nghĩa của chủ đề này. Thông thường, các nhân vật có dáng người duyên dáng, chân tay thon dài, đầu nhỏ, các nét cách điệu và các chi tiết phóng đại. Điều này mang lại những sáng tác phức tạp hơn, cách điệu hơn thay vì dựa trên những lý tưởng cổ điển về bố cục hài hòa và phối cảnh tuyến tính được sử dụng bởi những người tiền nhiệm thời Phục hưng của họ.

Một số nghệ sĩ Mannerist nổi tiếng nhất bao gồm Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi, và Bronzino, người được nhiều người coi là họa sĩ Mannerist quan trọng nhất ở Florence trong thời gian của ông.

"Venus, Cupid, tinh nghịch và thời gian" của hoạ sĩ Bronzino, sáng tác năm 1540

Baroque (1600–1750)

Thời kỳ Baroque theo sau Chủ nghĩa Manne đã tạo ra nghệ thuật thị giác và kiến trúc trang trí công phu, vượt trội. Nó được đặc trưng bởi sự hùng vĩ và phong phú, được nhấn mạnh bởi sự quan tâm đến việc mở rộng trí tuệ con người và khám phá toàn cầu. Các nghệ sĩ Baroque rất phức tạp về mặt phong cách.

Các bức tranh Baroque được đặc trưng bởi kịch tính, như được thấy trong các tác phẩm mang tính biểu tượng của họa sĩ Ý Caravaggio và họa sĩ Hà Lan Rembrandt. Các họa sĩ đã sử dụng sự tương phản mạnh mẽ giữa sáng và tối và có những tác phẩm tràn đầy năng lượng được kết hợp bởi các bảng màu phong phú.

Caravaggio, Lời kêu gọi của thánh Matthew, 1600

Rococo (1699–1780)

Rococo có nguồn gốc ở Paris, bao gồm nghệ thuật trang trí, hội họa, kiến trúc và điêu khắc. Thẩm mỹ mang đến một phong cách nghệ thuật trang trí nhẹ nhàng hơn so với sự hoa mỹ của Baroque. Rococo được đặc trưng bởi sự nhẹ nhàng và thanh lịch, tập trung vào việc sử dụng các hình thức tự nhiên, thiết kế không đối xứng và màu sắc tinh tế.

Các họa sĩ như Antoine Watteau và Francois Boucher đã sử dụng các phương pháp xử lý nhẹ nhàng, bút vẽ phong phú và màu sắc tươi mới. Phong cách Rococo cũng dễ dàng chuyển sang đồ nội thất bằng bạc, sứ và Pháp. Nhiều chiếc ghế và áo giáp có hình dạng uốn lượn, thiết kế hoa văn và cách sử dụng mạ vàng một cách biểu cảm.

Antoine Watteau, Chuyến tàu đến Cythera, 1718

Tân cổ điển (1750–1850)

Như tên gọi của nó, thời kỳ Tân cổ điển dựa trên các yếu tố từ thời cổ đại cổ điển. Những tàn tích khảo cổ của các nền văn minh cổ đại ở Athens và Naples được phát hiện vào thời điểm đó đã khơi dậy niềm đam mê đối với mọi thứ trong quá khứ, và các nghệ sĩ nỗ lực tái tạo những tác phẩm nghệ thuật cổ đại tuyệt vời. Điều này dẫn đến mối quan tâm mới đối với những lý tưởng cổ điển về sự hài hòa, đơn giản và tỷ lệ.

Các nghệ sĩ tân cổ điển đã bị ảnh hưởng bởi các yếu tố cổ điển; đặc biệt là tập trung vào chủ nghĩa duy tâm. Chắc chắn, họ cũng đưa vào các tác phẩm của mình những miêu tả hiện đại, phù hợp với lịch sử. Ví dụ, nhà điêu khắc người Ý Antonio Canova đã dựa trên các yếu tố cổ điển trong các tác phẩm điêu khắc bằng đá cẩm thạch của mình, nhưng tránh sự giả tạo lạnh lùng vốn được thể hiện trong nhiều sáng tạo ban đầu này.

Jacques-Louis David, Napoléon Vượt qua dãy Alps, 1801

Chủ nghĩa lãng mạn (1780–1850)

Chủ nghĩa lãng mạn là hiện thân của nhiều lĩnh vực, từ hội họa, âm nhạc đến văn học. Những lý tưởng hiện hữu trong mỗi loại hình nghệ thuật này từ chối trật tự, sự hài hòa và tính hợp lý, vốn đã được chấp nhận trong cả nghệ thuật cổ điển và chủ nghĩa tân cổ điển. Thay vào đó, các nghệ sĩ lãng mạn nhấn mạnh vào cá nhân và trí tưởng tượng. Một lý tưởng lãng mạn xác định khác là sự đánh giá cao đối với thiên nhiên, với nhiều người chuyển sang vẽ tranh bằng không khí, đưa các nghệ sĩ ra khỏi nội thất tối và cho phép họ vẽ bên ngoài. Các nghệ sĩ cũng tập trung vào niềm đam mê, cảm xúc và cảm giác hơn trí tuệ và lý trí.

Các họa sĩ lãng mạn nổi tiếng bao gồm Henry Fuseli, người đã tạo ra những bức tranh kỳ lạ, rùng rợn khám phá những khoảng tối của tâm lý con người, và William Blake, người có những bài thơ và hình ảnh bí ẩn truyền tải những tầm nhìn thần bí và sự thất vọng của anh ấy trước những ràng buộc của xã hội.

William Blake, Bóng ma của một con bọ chét, 1820

Chủ nghĩa hiện thực (1848–1900)

Có thể cho rằng phong trào nghệ thuật hiện đại đầu tiên, Chủ nghĩa hiện thực, bắt đầu ở Pháp vào những năm 1840. Chủ nghĩa hiện thực là kết quả của nhiều sự kiện: phong trào chống lãng mạn ở Đức, sự trỗi dậy của báo chí và sự ra đời của nhiếp ảnh. Mỗi bức ảnh đều khơi dậy niềm yêu thích mới trong việc nắm bắt chính xác cuộc sống hàng ngày. Sự chú ý đến độ chính xác này thể hiện rõ ràng trong tác phẩm nghệ thuật được tạo ra trong quá trình chuyển động, trong đó có các mô tả chi tiết, giống như cuộc sống của đối tượng.

Một trong những nhà lãnh đạo có ảnh hưởng nhất của phong trào Hiện thực là Gustave Courbet, một nghệ sĩ người Pháp cam kết chỉ vẽ những gì anh ta có thể nhìn thấy.

Jean-François Millet, The Gleaners, 1857

Tân nghệ thuật (1890–1910)

Art Nouveau, có nghĩa là “Nghệ thuật mới”, đã cố gắng tạo ra một phong trào hoàn toàn đích thực không có bất kỳ sự bắt chước nào của các phong cách đi trước nó. Phong trào này ảnh hưởng nhiều đến nghệ thuật ứng dụng, đồ họa và minh họa. Nó tập trung vào thế giới tự nhiên, được đặc trưng bởi những đường dài, khúc khuỷu và những đường cong.

Các nghệ sĩ theo trường phái Tân nghệ thuật có ảnh hưởng đã làm việc trên nhiều phương tiện truyền thông, bao gồm kiến trúc, thiết kế đồ họa và nội thất, chế tác đồ trang sức và hội họa. Nhà thiết kế đồ họa người Tiệp Khắc Alphonse Mucha nổi tiếng với những tấm áp phích sân khấu của nữ diễn viên người Pháp Sarah Bernhardt. Kiến trúc sư và nhà điêu khắc người Tây Ban Nha Antoni Gaudi đã vượt ra ngoài việc tập trung vào các đường nét để tạo ra những công trình uốn lượn, có màu sắc rực rỡ như của Vương cung thánh đường Sagrada Familia ở Barcelona.

Alphonse Mucha, Công chúa Hyacinth, 1911

Trường phái ấn tượng (1865–1885)

Các họa sĩ trường phái ấn tượng đã tìm cách ghi lại ấn tượng tức thì của một khoảnh khắc cụ thể. Điều này được đặc trưng bởi các nét vẽ ngắn, nhanh chóng và cảm giác giống như bản phác thảo chưa hoàn thành. Các nghệ sĩ trường phái ấn tượng đã sử dụng cuộc sống hiện đại làm chủ đề của họ, vẽ các tình huống như vũ trường và thuyền buồm thay vì các sự kiện lịch sử và thần thoại.

Claude Monet, một nghệ sĩ người Pháp, người dẫn đầu ý tưởng thể hiện nhận thức của con người trước thiên nhiên, gần như đồng nghĩa với phong trào Trường phái ấn tượng. Các tác phẩm đáng chú ý của ông bao gồm The Water Lily Pond (1899), Woman with a Parasol (1875), và Impression, Sunrise (1872), từ đó tên của phong trào được bắt nguồn từ chính nó.

Claude Monet, Ấn tượng, Mặt trời mọc, 1899

Chủ nghĩa hậu ấn tượng (1885–1910)

Các họa sĩ theo trường phái Hậu ấn tượng làm việc độc lập chứ không phải là một nhóm, nhưng mỗi họa sĩ theo trường phái Hậu ấn tượng có ảnh hưởng đều có những lý tưởng tương tự. Họ tập trung vào những tầm nhìn chủ quan và những ý nghĩa mang tính biểu tượng, cá nhân hơn là những quan sát về thế giới bên ngoài. Điều này thường đạt được thông qua các hình thức trừu tượng.

Các họa sĩ theo trường phái Hậu ấn tượng bao gồm Georges Seurat, được chú ý với kỹ thuật vẽ bằng điểm nhấn sử dụng các chấm nhỏ, riêng biệt để tạo thành một hình ảnh. Vincent van Gogh cũng được coi là một họa sĩ theo trường phái Hậu ấn tượng, tìm kiếm sự thể hiện cá nhân thông qua nghệ thuật của mình, thường là qua những nét vẽ thô kệch và tông màu tối.

Georges Seurat, Một buổi chiều Chủ nhật trên Đảo La Grande Jatte, 1886

Fauvism (1900–1935)

Được dẫn dắt bởi Henri Matisse, Fauvism được xây dựng dựa trên các ví dụ của Vincent van Gogh và George Seurat. Là phong trào tiên phong đầu tiên của thế kỷ 20, phong cách này được đặc trưng bởi việc sử dụng biểu cảm của màu sắc, đường kẻ và nét vẽ mãnh liệt, cảm giác táo bạo về thiết kế bề mặt và bố cục phẳng.

Như đã thấy trong nhiều tác phẩm của chính Matisse, sự tách biệt của màu sắc khỏi mục đích mô tả, đại diện của nó là một trong những yếu tố cốt lõi hình thành nên phong trào này. Chủ nghĩa Fauvism là tiền thân quan trọng của Chủ nghĩa Lập thể và Chủ nghĩa Biểu hiện.

Henri Matisse, Người phụ nữ đội mũ, 1905

Chủ nghĩa biểu hiện (1905–1920)

Chủ nghĩa biểu hiện nổi lên như một phản ứng đối với các quan điểm thế giới ngày càng mâu thuẫn và sự mất mát của tâm linh. Nghệ thuật biểu hiện tìm cách vẽ từ bên trong nghệ sĩ, sử dụng sự biến dạng của hình thức và màu sắc mạnh để thể hiện những lo lắng và cảm xúc thô sơ. Các họa sĩ theo trường phái biểu hiện, trong hành trình tìm kiếm tính xác thực, đã tìm kiếm cảm hứng ngoài nghệ thuật phương Tây và thường xuyên lui tới các bảo tàng dân tộc học để thăm lại các truyền thống dân gian bản địa và nghệ thuật bộ lạc.

Nguồn gốc của Chủ nghĩa Biểu hiện có thể được bắt nguồn từ Vincent van Gogh, Edvard Munch và James Ensor. Các nhóm nổi bật bao gồm Die Brücke (The Bridge) và Der Blaue Reiter (The Blue Rider) được thành lập để các nghệ sĩ có thể xuất bản các tác phẩm và thể hiện lý tưởng của họ cùng nhau.

Edvard Munch, Vũ điệu của cuộc sống, 1900

Chủ nghĩa lập thể (1907–1914)

Chủ nghĩa lập thể được thành lập bởi Pablo Picasso và Georges Braque, những người bác bỏ khái niệm rằng nghệ thuật nên sao chép tự nhiên. Họ rời xa các kỹ thuật và quan điểm truyền thống; thay vào đó, họ tạo ra các đối tượng phân mảnh hoàn toàn thông qua sự trừu tượng hóa. Nhiều tác phẩm của họa sĩ Lập thể được đánh dấu bằng các bề mặt phẳng, hai chiều, các dạng hình học hoặc “hình khối” của các đối tượng và nhiều điểm thuận lợi. Thông thường, đối tượng của họ thậm chí còn không thể nhận biết được.

Georges Braque, Violin và Palette, 1909

Chủ nghĩa siêu thực (1916–1950)

Chủ nghĩa siêu thực xuất hiện từ phong trào nghệ thuật Dada vào năm 1916, trưng bày các tác phẩm nghệ thuật bất chấp lý trí. Những người theo chủ nghĩa siêu thực đã tố cáo tư duy duy lý. Họ đổ lỗi cho quá trình suy nghĩ này về các sự kiện như Thế chiến thứ nhất và tin rằng nó có thể kìm nén những suy nghĩ giàu trí tưởng tượng. Những người theo chủ nghĩa siêu thực chịu ảnh hưởng của Karl Marx và các lý thuyết được phát triển bởi Sigmund Freud, người đã khám phá ra phân tâm học và sức mạnh của trí tưởng tượng.

Các nghệ sĩ theo trường phái Siêu thực có ảnh hưởng như Salvador Dalí đã đánh vào tâm trí vô thức để miêu tả những điều thú vị trên đường phố và trong cuộc sống hàng ngày. Các bức tranh của Dalí đặc biệt ghép những giấc mơ sống động và kỳ lạ với độ chính xác lịch sử.

René Magritte, Con người, 1964

Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng (những năm 1940 - 1950)

Được định hình bởi di sản của Chủ nghĩa Siêu thực, Chủ nghĩa Biểu hiện Trừu tượng xuất hiện ở New York sau Thế chiến thứ hai. Nó thường được gọi là Trường học New York hoặc bức tranh hành động. Những họa sĩ và nhà điêu khắc trừu tượng này đã thoát khỏi những gì được coi là thông thường, và thay vào đó sử dụng tính ngẫu hứng và ngẫu hứng để tạo ra các tác phẩm nghệ thuật trừu tượng. Điều này bao gồm các tác phẩm có kích thước khổng lồ mà kích thước của nó không còn có thể đáp ứng được bằng giá vẽ. Thay vào đó, các tấm bạt sẽ được đặt trực tiếp trên sàn nhà.

Các họa sĩ theo trường phái Biểu hiện Trừu tượng nổi tiếng bao gồm Jackson Pollock, được biết đến với phong cách vẽ nhỏ giọt độc đáo và Mark Rothko, người có các bức tranh sử dụng các khối màu lớn để truyền tải cảm giác tâm linh.

Jackson Pollock, Nhịp điệu mùa thu (Số 30), 1950

Op Art (1950s – 1960)

Nổi lên nhờ những tiến bộ trong khoa học và công nghệ cũng như mối quan tâm đến hiệu ứng quang học và ảo ảnh, phong trào Op art (viết tắt của nghệ thuật “quang học”) đã ra mắt cùng với Le Mouvement, một cuộc triển lãm nhóm tại Galerie Denise Rene vào năm 1955. Các nghệ sĩ tích cực trong phong cách này đã sử dụng hình dạng, màu sắc và hoa văn để tạo ra hình ảnh có vẻ như đang chuyển động hoặc bị mờ, thường được tạo bằng màu đen và trắng để có độ tương phản tối đa. Những mẫu trừu tượng này nhằm mục đích gây nhầm lẫn và kích thích mắt.

Nghệ sĩ người Anh Bridget Riley là một trong những người thực hành Op Art nổi bật nhất. Tác phẩm nghệ thuật năm 1964 của cô Blaze có các đường thẳng ngoằn ngoèo màu đen và trắng tạo ra ảo giác về một ngôi nhà tròn.

Bridget Riley, Blaze, 1964

Nghệ thuật đại chúng (1950-1960)

Nghệ thuật đại chúng là một trong những bước phát triển nghệ thuật dễ nhận biết nhất của thế kỷ 20. Phong trào này đã chuyển đổi khỏi các phương pháp được sử dụng trong Chủ nghĩa Biểu hiện Trừu tượng, và thay vào đó, sử dụng các đồ vật bình thường, hàng ngày để tạo ra các https://vanvi.com.vn/tác phẩm nghệ thuật sáng tạo thách thức chủ nghĩa tiêu dùng và phương tiện truyền thông đại chúng. Việc giới thiệu hình ảnh có thể nhận dạng này là một sự thay đổi từ hướng đi của chủ nghĩa hiện đại.

Các nghệ sĩ nhạc pop như Andy Warhol và Roy Lichtenstein đã tìm cách thiết lập ý tưởng rằng nghệ thuật có thể vẽ từ bất kỳ nguồn nào và không có hệ thống phân cấp văn hóa nào có thể phá vỡ điều đó. Có lẽ tác phẩm nghệ thuật văn hóa đại chúng nổi tiếng nhất là sản xuất Warhol’s Campbell’s Soup Cans.

Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962

Arte Povera (những năm 1960)

Dịch theo nghĩa đen là “nghệ thuật kém”, Arte Povera đã thách thức các hệ thống đương đại, theo chủ nghĩa hiện đại bằng cách đưa các vật liệu thông thường vào các tác phẩm sáng tạo. Các nghệ sĩ đã sử dụng đất, đá, giấy, dây thừng và các yếu tố khác bằng đất để gợi lên cảm giác tiền công nghiệp. Do đó, nhiều tác phẩm đáng chú ý trong phong trào này là tác phẩm điêu khắc.

Nghệ sĩ Ý Mario Merz, kết hợp với các nghệ sĩ Ý khác như Giovanni Anselmo và Alighiero Boetti, đã tạo ra các tác phẩm chống tinh hoa bằng cách vẽ dựa trên các chất liệu từ cuộc sống hàng ngày. Giáp’s Igloo năm 1968 của ông, một trong những cái sẽ sớm trở thành chuỗi lều tuyết đặc trưng của ông, tập trung vào công việc của ông với những nhu cầu thiết yếu của cuộc sống: chỗ ở, hơi ấm và thức ăn.

Mario Merz, Giap’s Igloo, 1968

Chủ nghĩa tối giản (những năm 1960 - 1970)

Phong trào Minimalist nổi lên ở New York khi một nhóm nghệ sĩ trẻ bắt đầu nghi ngờ về các tác phẩm biểu cảm thái quá của các nghệ sĩ theo trường phái Biểu hiện Trừu tượng. Nghệ thuật tối giản thay vào đó tập trung vào tính ẩn danh, kêu gọi sự chú ý đến tính trọng yếu của tác phẩm. Các nghệ sĩ kêu gọi người xem tập trung vào chính xác những gì đang ở trước mặt họ, thay vì vẽ ra sự tương đồng với thực tế bên ngoài và những suy nghĩ xúc động thông qua việc sử dụng các hình thức tinh khiết, trật tự, đơn giản và hài hòa.

Nghệ sĩ người Mỹ Frank Stella là một trong những người sớm nhất áp dụng Chủ nghĩa tối giản, tạo ra những bức tranh không mang tính đại diện, như trong Những bức tranh đen của ông được hoàn thành từ năm 1958 đến năm 1960. Mỗi bức tranh đều có họa tiết các sọc nằm nghiêng có chiều rộng đồng đều được in bằng mực đen kim loại.

Frank Stella, Black Series I, 1967

Nghệ thuật khái niệm (những năm 1960 - 1970)

Nghệ thuật khái niệm hoàn toàn bác bỏ các phong trào nghệ thuật trước đó và các nghệ sĩ đánh giá cao ý tưởng hơn các thành phần thị giác, tạo ra nghệ thuật từ các buổi biểu diễn, con thiêu thân và các hình thức khác. Nghệ sĩ biểu diễn người Ba Lan Ewa Partum’s Active thơ bao gồm các chữ cái trong bảng chữ cái đơn lẻ của cô ấy rải rác trên nhiều phong cảnh khác nhau. Nghệ sĩ người Mỹ Joseph Kosuth đã khám phá khả năng sản xuất và vai trò của ngôn ngữ trong nghệ thuật, như đã thấy trong tác phẩm Một và Ba chiếc ghế năm 1965 của ông. Trong đó, ông đại diện cho một chiếc ghế theo ba cách khác nhau để thể hiện những ý nghĩa khác nhau của cùng một đồ vật. Bởi vì loại hình nghệ thuật này tập trung vào ý tưởng và khái niệm, không có phong cách hoặc hình thức riêng biệt.

Joseph Kosuth, Một và Ba Ghế, 1965

Nghệ thuật đương đại (1970 – nay)

Những năm 1970 đánh dấu sự khởi đầu của nghệ thuật đương đại, kéo dài cho đến ngày nay. Thời kỳ này bị chi phối bởi nhiều trường phái khác nhau và các phong trào nhỏ hơn đã xuất hiện.

• Chủ nghĩa hậu hiện đại: Để chống lại chủ nghĩa hiện đại, các nghệ sĩ đã tạo ra các tác phẩm phản ánh sự hoài nghi, mỉa mai và phê bình triết học.
• Nghệ thuật nữ quyền: Phong trào này nảy sinh trong một nỗ lực nhằm biến đổi những định kiến ​​và phá vỡ khuôn mẫu của một lịch sử nghệ thuật do nam giới thống trị.
• Chủ nghĩa Biểu hiện Neo: Các nghệ sĩ đã tìm cách làm sống lại các khía cạnh ban đầu của Chủ nghĩa Biểu hiện và tạo ra các tác phẩm lớn, có tính biểu cảm cao.
• Nghệ thuật đường phố: Các nghệ sĩ như Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy và nhiều nghệ sĩ khác đã tạo ra nghệ thuật giống như graffiti trên các bề mặt ở những nơi công cộng như vỉa hè, tòa nhà và cầu vượt.
• Thế hệ Hình ảnh: Các nghệ sĩ Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons và những người khác bị ảnh hưởng bởi nghệ thuật Khái niệm và Đại chúng đã thử nghiệm với hình ảnh dễ nhận biết để khám phá những hình ảnh định hình nhận thức của chúng ta về thế giới.
• Nghệ thuật chiếm đoạt: Phong trào này tập trung vào việc sử dụng các hình ảnh trong nghệ thuật với ít sự biến đổi so với hình thức ban đầu của chúng.
• Nghệ sĩ trẻ người Anh (YBA): Nhóm nghệ sĩ London này nổi tiếng với việc sẵn sàng gây sốc cho khán giả thông qua hình ảnh của họ và sẵn sàng vượt qua giới hạn của sự chỉnh tề. Họ cũng được biết đến với tinh thần kinh doanh, nhiệt huyết.
• Nghệ thuật kỹ thuật số: Sự ra đời của máy ảnh đã giúp ích cho việc thực hành nghệ thuật này, cho phép các nghệ sĩ sử dụng nghệ thuật và công nghệ truyền để tạo ra với các phương tiện như máy tính, phần mềm âm thanh và hình ảnh, âm thanh và pixel.

Jeff Koons, Michael Jackson và Bubbles, 1988

Các phong trào nghệ thuật trong suốt lịch sử của nghệ thuật phương Tây đã cung cấp một loạt các phong cách, kỹ thuật và phương tiện truyền thông đa dạng và có ảnh hưởng trên toàn cầu. Mỗi phong trào làm sáng tỏ các tác phẩm hội họa điêu khắc, kiến trúc đặc biệt và các tác phẩm tiêu biểu khác. Hiểu được dòng thời gian của lịch sử nghệ thuật và từng thời kỳ đã ảnh hưởng như thế nào đến các phong trào sau này là điều tối quan trọng để xây dựng một bộ sưu tập gắn kết, chu đáo.

Nguồn: https://www.invaluable.com/blog/art-history-timeline/ 

Biên dịch: 

Biên tập : Trang Hà