Bảng chú giải cơ bản thuật ngữ Vermeer về Nghệ thuật (Phần 6)

Nhấn mạnh

Sự nhấn mạnh là bất kỳ sự ép buộc nào mang lại tầm quan trọng hoặc sự thống trị (trọng lượng) cho một số đặc điểm hoặc tính năng của tác phẩm nghệ thuật; điều gì đó đơn lẻ, gây căng thẳng hoặc thu hút sự chú ý bằng các biện pháp tương phản, bất thường hoặc đối trọng để tác động thẩm mỹ. Một cách kết hợp các yếu tố để nhấn mạnh sự khác biệt giữa các yếu tố đó và để tạo ra một hoặc nhiều tâm điểm trong tác phẩm. Thông thường, các yếu tố được nhấn mạnh được sử dụng để hướng và tập trung sự chú ý vào những phần quan trọng nhất của bố cục- tâm điểm của nó. Nhấn mạnh là một trong những nguyên tắc của thiết kế. Một thiết kế thiếu điểm nhấn có thể dẫn đến sự đơn điệu.

Mô phỏng/ Bắt chước

Cô Gái & Hoa Tai Ngọc Trai (Girl with a Pearl Earring)

Trong số các khái niệm, các nghệ sĩ thời kỳ Phục Hưng được coi trọng nhất là sự bắt chước và mô phỏng, thực hành đại diện chiếm ưu thế. Bắt chước và mô phỏng (tiếng Latinh là imitatio và aemulatio) đều bị loại bỏ trong thực hành studio hiện đại, là những khái niệm chính trong đào tạo nghệ thuật. Chỉ khi người nghệ sĩ đã học cách bắt chước, rồi bắt chước, thì cuối cùng anh ta mới có thể phát minh ra.

Cho đến giữa thế kỷ XVIII, bắt chước được coi là bước đầu tiên, hoàn toàn không thể thiếu để trở thành một nghệ sĩ phát triển toàn diện. Sự bắt chước chủ yếu dựa trên khái niệm tu từ cổ điển. Bằng cách bắt chước (sao chép) các bản in, bản vẽ và tranh vẽ của các bậc thầy vĩ đại người Ý ở Cinquecento (cực kỳ ít bức tranh còn sót lại từ thời Hy Lạp và La Mã), các nghệ sĩ đương thời đã tích trữ kiến ​​thức và rèn luyện trí óc và bàn tay. Người xưa cũng biết đến tính thi đua, Virgil được cho là đã mô phỏng Homer "trong cuộc đua danh dự.

Ngay cả những nghệ sĩ vĩ đại nhất cũng sao chép và bắt chước tác phẩm của các đồng nghiệp của họ. Leonardo da Vinci (1452–1519) lấp đầy các cuốn sách phác thảo của mình với các tác phẩm điêu khắc và bích họa nổi tiếng trong khi Michelangelo dành nhiều ngày để phác thảo các tác phẩm nghệ thuật trong các nhà thờ xung quanh Florence và Rome. Philip IV đã cho phép Rubens (1577–1640) đặc biệt để tạo ra các bản sao quy mô của các bức tranh Titian (khoảng 1488 / 1490–1576) trong bộ sưu tập Hoàng gia đã phải dỡ bỏ các bức tường và mang đến một xưởng vẽ tạm thời dành cho Rubens.

Người Hà Lan gọi sự bắt chước, theo cả nghĩa là ăn cắp và vay mượn với cùng một thuật ngữ, rapen. Rapen tốt bao gồm việc vay mượn từ nhiều nguồn khác nhau, kết hợp chúng với nhau theo cách của riêng mình. Karel van Mander (1548–1606), sử dụng nghĩa kép của từ rapen là vay mượn, đã viết rằng “những gì bị đánh cắp phải được hàn lại, đúc trong tâm trí như thể nó được hầm trong một cái nồi và được chế biến, phục vụ với nước sốt của sự khéo léo nếu nó muốn chứng tỏ là có hương vị”.

Tiepolo được biết đến như một trình mô phỏng tuyệt vời của Veronese, cũng như người tiền nhiệm người Venice của ông là Sebastiano Ricci 1659–1734). Điều đó có ý nghĩa gì về mặt sản xuất nghệ thuật “nguyên bản” của riêng ông? Không bao giờ sao chép Paolo Veronese (1528–1588), nhưng nhiều tác phẩm của ông phụ thuộc vào Veronese về cấu trúc tường thuật, kiểu hình, màu sắc,... Điều khiến ông trở thành một người giả lập tuyệt vời, một người không bao giờ bị buộc tội là một kẻ bắt chước đơn thuần như Ricci, đó là Veronese là điểm khởi hành, là tia sáng sáng tạo mà Tiepolo hâm mộ bằng chính phong thái và năng lượng của mình. 

Tuy nhiên, ít có sự thống nhất về việc liệu một người có thể chỉ mô phỏng một hoặc nhiều bậc thầy hay không. Lần đầu tiên tập vẽ được một thời gian, Cennino Cellini (khoảng 1370–1440) đã khuyến nghị các nghệ sĩ trẻ hãy chịu khó và thích thú khi liên tục sao chép những thứ tốt nhất mà bạn có thể tìm thấy được thực hiện bởi bàn tay của những bậc thầy vĩ đại. Và nếu bạn đang ở một nơi có nhiều bậc thầy giỏi đã từng ở, thì càng tốt cho bạn. Tuy nhiên, cảnh báo không nên bắt chước nhiều hơn một bậc thầy vì tâm trí của học viên sẽ trở nên mất tập trung và bạn sẽ không thể làm đúng được.

Ngày nay, các tổ chức nghệ thuật tiên tiến không khuyến khích cả bắt chước và mô phỏng. Sinh viên hiếm khi tạo bản sao cho dù đó là của các bậc thầy trong quá khứ hay đương đại. Mặt khác, vì các họa sĩ vẽ tượng hình hiện đại (đầy tham vọng), những người làm việc tương đối cô lập, hiếm khi quan tâm đến các câu chuyện hoặc bố cục phức tạp, họ có xu hướng chỉ mô phỏng các tính năng kỹ thuật của các nghệ sĩ lớn trong quá khứ. Các nghệ sĩ được mô phỏng thường xuyên nhất bao gồm John Singer Sargeant (1856–1925), đến William-Adolphe Bouguereau (1825–1905), Diego Velázquez (1599–1660) và Rembrandt (1606–1669).

Khắc kim & Khắc gỗ

Khắc gỗ, khắc là những phương pháp chính để tạo ra bản in trước khi phát minh ra nhiếp ảnh. Để tạo ra một bản khắc, một tấm, thường bằng đồng, được cắt bằng burin (một công cụ đục lỗ sắc bén). Đĩa được cho vào máy ép và cuộn mực lên đó. Mực được giữ lại trong các vết cắt và chuyển sang giấy.

Một số bức tranh, chẳng hạn như phong cảnh Hà Lan, được kết nối với các bản khắc cụ thể của các nghệ sĩ khác. Ưu điểm của khắc là các đường có thể được tạo ra bằng một thứ gì đó tự do vẽ. Thậm chí không một bản khắc, bản khắc hay thậm chí là bản vẽ bằng tay của Vermeer còn sót lại cũng như không có bất kỳ bằng chứng lịch sử nào cho thấy chúng đã từng tồn tại.

Hoạt động vẽ tranh ngoài trời từ quan sát đã liên tục phổ biến trong thế kỷ XXI. Vào giữa thế kỷ XIX, giá vẽ hộp, thường được gọi là giá vẽ hộp của Pháp hoặc giá vẽ trường, đã được phát minh. Không rõ ai đã phát triển nó, nhưng những giá vẽ di động cao với chân kính thiên văn, hộp sơn và bảng màu gắn sẵn này đã giúp việc đi vào rừng và lên sườn đồi dễ dàng hơn. Vẫn được sản xuất cho đến ngày nay, chúng vẫn là một lựa chọn phổ biến (ngay cả để sử dụng trong gia đình) vì chúng có thể gấp lại bằng kích thước của một chiếc cặp ngắn và do đó rất dễ cất giữ.

Hộp Pochade là một hộp nhỏ gọn cho phép nghệ sĩ giữ tất cả các nguồn cung cấp và bảng màu của họ trong hộp và có tác phẩm ở bên trong nắp. Một số thiết kế cho phép một tấm bạt lớn hơn có thể được giữ bằng kẹp gắn vào nắp. Có những thiết kế cũng có thể chứa một vài tấm hoặc tấm bạt sơn ướt bên trong nắp. Những chiếc hộp này ngày càng phổ biến vì chúng chủ yếu được sử dụng để vẽ tranh trên không, cũng có thể được sử dụng trong studio, nhà riêng hoặc lớp học. Vì hộp pochade chủ yếu được sử dụng để sơn tại chỗ nên canvas hoặc bề mặt làm việc có thể nhỏ, thường không quá 20 inch (50 cm).

Các thử thách bao gồm loại sơn được sử dụng để sơn ngoài trời, động vật, bọ, người xem và các điều kiện môi trường như thời tiết. Sơn acrylic có thể đông cứng và khô nhanh chóng trong điều kiện thời tiết nắng ấm và không thể tái sử dụng. Ở phía đối diện của quang phổ là thử thách vẽ tranh trong điều kiện ẩm hoặc ẩm với lượng mưa. Sự ra đời của nghệ thuật vẽ tranh trên không trước khi phát minh ra chất liệu acrylic. Phương pháp truyền thống và lâu đời của sơn en plein air kết hợp với việc sử dụng sơn dầu.

"Mỗi họa sĩ tự vẽ" không phải là cố ý tự vẽ chân dung mà là người nghệ sĩ tạo ra chính mình một cách không chủ ý trong tác phẩm của mình. Ít nhất là từ giữa thế kỷ XVI trở đi, nó được liên kết với thiên hướng bẩm sinh hoặc tài năng bẩm sinh và có những hàm ý nói chung là tích cực. Câu tục ngữ cụ thể được cho là do nhiều nhân vật khác nhau bao gồm Michelangelo và Gerolamo Savonarola. Albrecht Dürer (1471–1528) có thể đã hiểu nó theo nghĩa đen, vì bức chân dung của ông về Hoàng đế Maximilian I được cho là mang những nét đặc trưng của nghệ sĩ. Tuy nhiên, Leonardo da Vinci (1452–1519) là người rõ ràng nhất trong việc giải quyết vấn đề này châm ngôn: "linh hồn", Leonardo viết, "định trước cho bàn tay nghệ sĩ hình dạng của một người đàn ông trên vải”.

Nguồn: http://www.essentialvermeer.com/glossary/glossary_d_i.html

Biên dịch: Hưng

Biên tập: Trang Hà