20 nữ họa sĩ bạn nên biết (phần 1)

Chúng ta hãy cùng nhìn lại lịch sử nghệ thuật và tìm hiểu những người phụ nữ đã thay đổi thế giới nghệ thuật như thế nào nhé.

1. Élisabeth Louise Vigée Le Brun (French, 1755–1842)

Hoàn toàn tự học, Élisabeth Louise Vigée Le Brun trở thành một họa sĩ bất chấp những trở ngại lớn và hoạt động tích cực trong một số thời kỳ hỗn loạn nhất trong lịch sử châu Âu. Với sự can thiệp của Marie Antoinette, bà được nhận vào Học viện Pháp ở tuổi 28 với tư cách là một trong bốn thành viên nữ duy nhất. Vigée Le Brun đặc biệt được ca ngợi vì những bức chân dung đầy thiện cảm của những người phụ nữ quý tộc, được cho là tự nhiên hơn những tác phẩm của những người cùng thời với bà. Bị buộc phải chạy trốn khỏi Paris trong cuộc Cách mạng, hoạ sĩ đã đi khắp châu Âu, trước khi trở về Pháp sau khi xung đột giải quyết.

Ảnh: Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Chân dung tự họa trong chiếc mũ rơm (1782).

2. Mary Cassatt (American, 1844–1926)

Là một trong ba nữ họa sĩ và là người Mỹ duy nhất chính thức gắn bó với trường phái Ấn tượng, Mary Cassatt cũng là một cố vấn vô giá, giúp giới thiệu nghệ thuật châu Âu đến các nhà sưu tập lớn ở Mỹ. Cassatt cho rằng bức tranh cần phản ánh cuộc sống hiện đại. Người phụ nữ hiện đại của bà được thể hiện một cách chuyên nghiệp trong bức tranh In the Loge năm 1878, tác phẩm theo trường phái Ấn tượng đầu tiên mà họa sĩ trưng bày tại Hoa Kỳ. Nhiều họa sĩ nam đã miêu tả phụ nữ trong các hộp rạp hát như đối tượng trưng bày, nhưng nhân vật nữ chính của Mary Cassatt đóng một vai trò năng động tham gia vào hành động nhìn. Tuy nhiên, ánh nhìn của nam giới chiếm ưu thế, vì ở phía xa, một khán giả tóc hoa râm nhìn thẳng vào cô bằng ống nhòm của chính anh ta. 

Trong ảnh: Mary Cassatt, In the Loge (1878), MFA Boston.

3. Hilma af Klint (Swedish, 1862-1944)

Mãi cho đến khi Bảo tàng Guggenheim tổ chức một cuộc khảo sát lớn về tác phẩm của bà, Hilma af Klint mới được công nhận rộng rãi như một nhà tiên phong ưu việt của nghệ thuật trừu tượng. Những sáng tác trừu tượng đầu tiên của bà được hoàn thành nhiều năm trước những tác phẩm của Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich và Piet Mondrian. Được xem từ tháng 10 năm 2018 đến tháng 4 năm 2019, "Hilma af Klint : Những bức tranh cho tương lai", giới thiệu một loạt các tác phẩm trừu tượng lớn, tươi sáng, có chút ma thuật và vẫn là triển lãm Guggenheim được nhiều người tham dự nhất từ ​​trước đến nay.

Sinh ra ở Stockholm,  Klint  theo học tại Học viện Mỹ thuật Hoàng gia của thành phố, tốt nghiệp năm 1887, tiếp tục trở nên nổi tiếng với tác phẩm tượng hình và là thư ký của Hiệp hội các nữ nghệ sĩ Thụy Điển. Trong thời gian này, thuyết duy linh và Thông Thiên Học đã đạt được động lực khi mọi người, bao gồm cả af Klint , tìm cách dung hòa tôn giáo với nhiều tiến bộ khoa học gần đây. Những hệ thống niềm tin đó đã truyền cảm hứng cho nhóm chính đầu tiên của bà về công việc phi tượng hình, không khách quan. Được gọi là Những bức tranh cho ngôi đền, 193 bức tranh được tạo ra từ năm 1906 đến năm 1915, và khám phá một nhận thức nhị nguyên về sự sáng tạo, sự tiến hóa và vũ trụ. Dự định được lắp đặt trong một ngôi đền xoắn ốc, af Klint yêu cầu các tác phẩm không được trưng bày cho đến 20 năm sau khi bà qua đời. Những bức tranh đó, cùng với một số tác phẩm trước đó, đã tạo nên phần lớn cuộc triển lãm tại Guggenheim - một khu bảo tồn xoắn ốc theo đúng nghĩa của nó.

Trong ảnh: Hilma af Klint , Mười người lớn nhất, số 7, Tuổi trưởng thành (1907). 

4. Georgia O'Keeffe (American, 1887-1986)

Năm 1915, Georgia O'Keeffe là một trong những họa sĩ người Mỹ đầu tiên tạo ra tác phẩm nghệ thuật trừu tượng thuần túy, trái ngược với phong trào thống trị của chủ nghĩa hiện thực Mỹ. Trong Music, Pink and Blue từ năm 1918, O'Keeffe đã tóm tắt chủ đề hoa bằng cách cắt xén cực đoan, tạo ra một cổng vòm gồm những cánh hoa đầy màu sắc ngân nga với năng lượng âm nhạc như tiêu đề gợi ý. Một phần lý thuyết của họa sĩ người Nga Wassily Kandinsky đã truyền cảm hứng cho O'Keeffe "ý tưởng rằng âm nhạc có thể được chuyển thành thứ gì đó cho mắt", để đạt được sự biểu đạt thuần túy mà không có các tham chiếu bên ngoài khác.

Trong ảnh: O'Keeffe tạo dáng với Pelvis Series Red with Yellow (1945) ở Albuquerque, New Mexico, năm 1960.

5. Augusta Savage (American, 1892-1962)

Là một nhà điêu khắc tiên phong gắn liền với thời kỳ Phục Hưng Harlem, Augusta Savage cũng là một nhà giáo và nhà hoạt động có ảnh hưởng, ủng hộ quyền bình đẳng cho người Mỹ gốc Phi trong nghệ thuật. Sinh ra gần Jacksonville, Florida, Savage chuyển đến thành phố New York vào năm 1921 để theo học nghệ thuật tại Cooper Union, đánh bại 142 người đàn ông trong danh sách để có được vị trí tại trường đại học. Năm 1923, Savage đăng ký tham gia chương trình nghệ thuật mùa hè do chính phủ Pháp tài trợ nhưng cuối cùng bị từ chối vì lý do chủng tộc. Vì vậy, bắt đầu cuộc chiến suốt đời của bà để dân chủ hóa và bình đẳng hóa nghệ thuật. Một trong những khoản hoa hồng đầu tiên là tượng bán thân của W. E. B. DuBois cho Thư viện Harlem, đã được đón nhận nồng nhiệt, và Savage tiếp tục tạc tượng các nhà lãnh đạo người Mỹ gốc Phi khác, bao gồm Marcus Garvey và William Pickens Sr.

Năm 1929, tác phẩm điêu khắc của bà về một đứa trẻ ở Harlem, Gamin, đã được công nhận rộng rãi và giúp bà giành được học bổng để theo học tại Academie de la Grande Chaumiere ở Paris. Savage trở lại Hoa Kỳ năm 1931 và thành lập Xưởng thủ công và nghệ thuật Savage, trở thành Trung tâm Nghệ thuật Cộng đồng Harlem, vào năm 1932. Hai năm sau, bà trở thành họa sĩ người Mỹ gốc Phi đầu tiên được bầu vào Hiệp hội Phụ nữ Quốc gia. Trong thời gian còn lại của cuộc đời, nghệ sĩ tiếp tục tạo ra những tác phẩm đột phá, bà là một trong bốn phụ nữ nhận được hoa hồng từ Hội chợ Thế giới năm 1939 và dành thời gian của mình để dạy nghệ thuật cho những người xung quanh.

Trong ảnh: Augusta Savage làm việc trên một tác phẩm, New York, NY, 1938.

6. Frida Kahlo (Mexican, 1907-1954)

Những bức chân dung tự họa của Frida Kahlo với bộ ria mép và lông mày đậm mang tính biểu tượng của bà từng được André Breton, người sáng lập Chủ nghĩa siêu thực, mô tả là "dải băng quanh quả bom". Thật vậy, các bức tranh của Kahlo vừa có sự quyến rũ, vừa có tính đối đầu. Trong "The Two Fridas (Las dos Fridas)" từ năm 1939, hoàn thành ngay sau khi Kahlo ly hôn với nhà vẽ tranh tường Mexico Diego Rivera, Frida Kahlo miêu tả hai tính cách của bà— một trong trang phục Tehuana truyền thống với một trái tim tan vỡ, và một trong trang phục hiện đại, độc lập, với một trái tim trọn vẹn. Việc Kahlo liên tục làm lại và phân loại bản sắc riêng của mình là tiền thân quan trọng của chính trị bản sắc và tiếp tục truyền cảm hứng cho các họa sĩ ngày nay.

Trong ảnh: Frida Kahlo, The Two Fridas (Las dos Fridas) (1939), được trưng bày vào năm 2007.

7. Louise Bourgeois (French, 1911-2010)

Sinh ra ở Paris với cha mẹ điều hành một doanh nghiệp phục hồi thảm trang trí, Louise Bourgeois lớn lên giúp họ điền vào những phần còn thiếu của các thiết kế được mô tả trên tấm thảm. Mặc dù bà học toán học và hình học, nhưng cuối cùng bà quyết định quay trở lại nghệ thuật, thực hành in ấn, vẽ tranh và điêu khắc quy mô lớn. Mặc dù bà không chính thức liên kết với bất kỳ phong trào nghệ thuật cụ thể nào, nhưng bà đã tổ chức triển lãm với những người theo trường phái biểu hiện trừu tượng và khám phá các chủ đề bao gồm cô đơn, ghen tuông, giận dữ, tình dục và vô thức trong tác phẩm của mình.

Vào năm 1982, ở tuổi 70, Louise Bourgeois cuối cùng đã được trao cho mình khoảnh khắc tỏa sáng khi Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại trưng bày một hồi tưởng về tác phẩm của bà, trong đó có những nhân vật giống người bị treo trên dây; những sáng tạo vải làm từ quần áo cũ; và những tác phẩm điêu khắc khổng lồ về con nhện.Ảnh: Louise Bourgeois, Maman (1999), chụp ở Hamburg, Đức năm 2012.

8. Agnes Martin (Canadian, 1912-2004)

Agnes Martin, thường gắn liền với phong trào tối giản, tồn tại trong một phong cách nghệ thuật khác biệt. Martin giải thích rằng những bức tranh của bà đã được hình thành hoàn chỉnh, bằng kích thước của những con tem bưu chính, mà bà sẽ dịch lên những bức tranh khổ lớn. Một biểu tượng vàng lấp lánh, Tình bạn từ năm 1963 là một ví dụ tuyệt vời về bức tranh lưới tinh xảo của nghệ sĩ. Những đường nét tinh xảo của Martin, có vẻ như hoàn hảo nhưng sau khi kiểm tra chặt chẽ, thấm nhuần cảm giác của bàn tay con người, tạo ra một trường vô hạn với chất lượng bí ẩn - hiện thân của một sự bình tĩnh siêu việt. Hồi tưởng về công việc của Martin mở ra tại Guggenheim ở New York vào tháng 10 năm 2016.

Trong ảnh: Agnes Martin, Friendship (1963), được trưng bày tại Tate Modern ở London năm 2015.

9. Leonora Carrington (British-Mexican, 1917-2011)

Là một họa sĩ và tiểu thuyết gia nổi tiếng với các tác phẩm siêu thực của mình, Leonora Carrington sinh ra ở Vương quốc Anh và học hội họa tại Trường Nghệ thuật Chelsea trước khi chuyển đến Học viện Mỹ thuật Ozenfant ở London vào năm 1936. Cùng năm đó, bà theo học trường Siêu thực Quốc tế Triển lãm và được vẽ theo tác phẩm của họa sĩ người Đức Max Ernst. Năm tiếp theo, cả hai gặp nhau tại một bữa tiệc và bắt đầu một mối tình lãng mạn ngắn ngủi, sống cùng nhau ở Paris cho đến khi Thế chiến thứ hai bùng nổ, lúc này Max Ernst bị chính quyền địa phương bắt giữ và buộc phải trốn chạy sự đàn áp. Ngay sau khi hai người chia tay, Leonora Carrington đã phải nhập viện vì suy sụp tinh thần và được điều trị bằng các loại thuốc cực mạnh. Sau khi được trả tự do, bà trốn đến Mexico, nơi bà lấy cảm hứng sâu sắc từ văn hóa dân gian địa phương, vốn được đưa vào tác phẩm. Các bức tranh mang tính tự truyện cao của bà có đề cập đến ma thuật, phép biến hình và điều huyền bí, miêu tả những sinh vật kỳ ảo và những cảnh ám ảnh. Trong những năm 70, bà tham gia vào Phong trào Giải phóng Phụ nữ và thiết kế một áp phích, có tựa đề Mujeres Conciencia, vì chính nghĩa vào năm 1973. Năm 1986, bà đã giành được Giải thưởng Thành tựu Trọn đời tại hội nghị Nữ sinh Caucus for Art ở New York cho cam kết của mình cho công việc chính trị.

Trong ảnh: Leonora Carrington, Thử thách của quyền sở hữu (1959).

10. Elaine Sturtevant (American, 1924-2014)

Các tác phẩm của Elaine Sturtevant gây ra một cú đúp; thoạt nhìn trông giống như bức tranh của Andy Warhol hoặc Jasper Johns thực ra là tác phẩm của chính bà, sao chép các hình thức và kỹ thuật của bản gốc đến mức độ chính xác đáng kinh ngạc. Kể từ năm 1964, Sturtevant đã chiếm đoạt công việc của những người đàn ông cùng thời để đặt câu hỏi về thứ bậc của giới tính, tính độc đáo và quyền tác giả, cũng như cấu trúc của nghệ thuật và văn hóa. Trên thực tế, Warhol thậm chí đã đồng ý để Sturtevant sử dụng nhà sản xuất màn hình của mình để sản xuất màn hình Marilyn giống như màn hình mà ông đã sử dụng trong tác phẩm. Như Sturtevant nhớ lại, khi Warhol được hỏi chi tiết về quá trình, ông sẽ bảo mọi người "hỏi Elaine ."

Trong ảnh: Elaine Sturtevant, Warhol Diptych (1973), được Christie's bán vào năm 2015.

Nguồn: https://www.harpersbazaar.com/culture/art-books-music/g7916/best-female-artists/

Biên dịch: Hưng

Biên tập: Trang Hà