Bảng chú giải cơ bản thuật ngữ Vermeer về Nghệ thuật (Phần 8)

Nữ họa sĩ Hà Lan

Gần 250 nghệ sĩ nữ, nghiệp dư và chuyên nghiệp, đã được ghi lại ở các nước Vùng thấp (Hà Lan và Bỉ ngày nay) từ giữa thế kỷ XVI đến cuối thế kỷ XVIII. Một số lượng nhỏ được biết đến nhiều ở quê hương Hà Lan hoặc (Flanders, mặc dù họ không bao giờ được quốc tế phân biệt. Những nghệ sĩ này bao gồm những nhân vật như họa sĩ chân dung Judith Leyster (1609–1660) và nhà vẽ màu nước Margaretha de Heer. Một nhóm nhỏ hơn nữa, bao gồm Các chuyên gia về tranh tĩnh vật Maria van Oosterwyck (1630–1693) và Rachel Ruysch (1664–1750), đã giành được sự công nhận nghệ thuật quốc tế. công việc của họ đã thu hút sự bảo trợ của giới quý tộc châu Âu.

Không giống như Ý, Pháp và Tây Ban Nha, nơi mà các tác phẩm nghệ thuật hầu như chỉ được làm theo đơn đặt hàng của những người rất giàu có, ở Hà Lan thế kỷ XVII, nghệ thuật đã trở thành một mặt hàng xách tay phù hợp túi tiền của tầng lớp trung lưu. Sự phát triển này đã khuyến khích sự đa dạng của các chủ đề và kỹ thuật, và do đó, các họa sĩ Hà Lan là những người châu Âu đầu tiên phát triển đầy đủ các thể loại tĩnh vật, cảnh biển, cảnh thị trấn, phong cảnh và cảnh trong cuộc sống hàng ngày.

Tranh tĩnh vật của Maria van Oosterwyck

Tuy nhiên, các nghệ sĩ nữ có xu hướng tránh một số đối tượng nhất định. Không thể nghiên cứu giải phẫu từ khỏa thân, hầu hết không thể có đủ trình độ để sáng tác các nhóm nhân vật hành động, như cần thiết để vẽ các chủ đề lịch sử hoặc tôn giáo thành công. Cảnh biển hoặc quang cảnh thành phố hiếm khi là những chủ đề phổ biến, có lẽ vì phụ nữ cần người đi kèm để nghiên cứu chúng. Ngoại trừ việc tạo mẫu bằng sáp và cắt hình, rất ít phụ nữ sản xuất nhiều tác phẩm điêu khắc.

Mặc dù có những trường hợp ngoại lệ, phần lớn các nữ họa sĩ Hà Lan thực hành vẽ tranh tĩnh vật hoặc chân dung. Đối với các nghệ sĩ nữ ở miền Bắc, truyền thống vẽ chân dung dường như không đạt đến đỉnh cao trong thời kỳ hoàng kim của hội họa mà ở thế kỷ trước với Levina Teerlinc (Bruges, khoảng 1520–1576) và Caterina van Hemessen (1528-sau 1587, Antwerp ).

Hình thể

Trong thảo luận nghệ thuật, thuật ngữ "hình" chỉ đại diện của một con người, mặc dù nó cũng có thể có ý nghĩa tổng quát hơn nhiều về một phần tử- trừu tượng hoặc không- cái này phân biệt chính nó với những phần mà nó được bao quanh .

Tượng hình

Thuật ngữ thường được sử dụng đơn giản để chỉ một hình ảnh có chứa các hình ảnh dễ nhận biết (tức là nó không trừu tượng hoặc không khách quan). Vì cách sử dụng này không phân biệt giữa nghĩa đen và nghĩa bóng, nên nó kém chính xác hơn đáng kể.

Nghệ thuật tượng hình, đôi khi được viết là thuyết tượng hình, mô tả tác phẩm nghệ thuật- đặc biệt là các bức tranh và tác phẩm điêu khắc- có nguồn gốc từ các nguồn đối tượng thực, và nó mang tính đại diện. "Nghệ thuật tượng hình" thường được định nghĩa trái ngược với nghệ thuật trừu tượng: Kể từ khi nghệ thuật trừu tượng xuất hiện, thuật ngữ "tượng hình" đã được sử dụng để chỉ bất kỳ hình thức nghệ thuật hiện đại nào có liên quan mạnh mẽ đến thế giới thực.

Do đó, hội họa và điêu khắc có thể được chia thành các loại tượng hình, tượng trưng và trừu tượng. Nói một cách chính xác, nghệ thuật trừu tượng có nguồn gốc (hoặc trừu tượng hóa) từ một nghĩa bóng hoặc từ ngữ tự nhiên khác. Tuy nhiên, "trừu tượng" đôi khi được sử dụng như một từ đồng nghĩa với nghệ thuật không đại diện và nghệ thuật phi khách quan, tức là nghệ thuật không có nguồn gốc từ các hình hoặc vật thể.

Nghệ thuật tượng hình không đồng nghĩa với nghệ thuật vẽ hình (nghệ thuật tượng trưng cho hình người), mặc dù hình người và động vật là những đối tượng thường xuyên.

Fijnschilder (Họa sĩ tài ba)

Mặc dù vào thế kỷ XVII, thuật ngữ fijnschilder trong tiếng Hà Lan được sử dụng để phân biệt giữa một họa sĩ thực hành các kỹ thuật tinh tế và một người sơn nhà. Trong thế kỷ XIX, thuật ngữ này được liên kết với Gerrit Dou (1613–1675), Frans van Mieris (1635–1681, Sr. và Adriaen van der Werff, tất cả đều nằm trong số những họa sĩ thành công nhất của trường phái Baroque Hà Lan. Những họa sĩ này được nhận diện bởi phong cách khác biệt, kỹ thuật tinh tế và cực kỳ chú ý đến chi tiết, dẫn đến các tác phẩm có bề mặt hoàn toàn nhẵn thiếu nét vẽ của họa sĩ. Việc áp dụng sơn trái ngược với kết cấu và phong cách của các họa sĩ Hà Lan khác, chẳng hạn như Frans Hals (khoảng 1582–1666) và giáo viên của Dou là Rembrandt (1606–1669), người thường làm việc ở chế độ ruwe (thô).

Tranh của Frans van Mieris

Dou đã vẽ theo phong cách mượt mà, chính xác mà giáo viên của ông, Rembrandt đã sử dụng trong những năm Leiden. Tuy nhiên, không giống như Rembrandt, Dou vẫn trung thành với cách vẽ tinh tế này. Nhờ những học trò có ảnh hưởng như Quirijn Brekelenkamp (1622/ 29–1669 / 79, Leiden), Gabriel Metsu (1629–1667, Godfried Schalcken (1643–1706) và Van Mieris, phong cách vẽ bóng bẩy này đã trở thành đặc sản của các nghệ sĩ Leiden.

Theo phong cách của fijnschilder, các chủ thể được cân đối tỉ mỉ với màu sắc tươi sáng, lớp phủ sáng bóng và sự chú ý chính xác đến từng chi tiết. Van Mieris vẽ trên các tấm gỗ hoặc đồng hiếm khi lớn hơn mười lăm inch vuông. Ông đại diện cho những sự cố thường gặp trong cuộc sống của tầng lớp lao động thấp cũng như những thói quen và phong tục của những người giàu có. Những bức tranh của ông đã được đánh giá cao và mang lại cho Van Mieris rất nhiều tiền. Nhưng ông đã phung phí tài sản của mình do nghiện rượu và quản lý tài chính kém. Mặc dù những người đương thời công nhận Van Mieris là một trong những nghệ sĩ hàng đầu của Hà Lan trong những năm 1600, nhưng các bức tranh của ông, giống như bức tranh của Gerrit Dou (1613–1675), đã rơi vào tình trạng mờ mịt sau cuối thế kỷ XIX.

Mặc dù Vermeer chắc chắn bị ảnh hưởng bởi các chủ đề và bố cục của fijnschilderen, nhưng khái niệm về dựng hình của ông về cơ bản khác với khái niệm của họ. Vermeer dường như chưa bao giờ bị thu hút một cách nghiêm túc bởi những chi tiết siêu nhỏ đã làm cho tác phẩm fijnschilderen được đánh giá cao trên toàn châu Âu. Nội thất rõ ràng, được tổ chức chặt chẽ của anh ấy tương phản với tác phẩm của nhân vật Dou và Van Mieris về cơ bản đẹp như tranh vẽ và có vẻ gần như cằn cỗi khi so sánh. Mặc dù Vermeer chia sẻ mối quan tâm của họ đối với sự thể hiện của kết cấu và hoạt động của ánh sáng, ông ấy gợi ý một cách tinh tế hơn là mô tả những phẩm chất đó. Hơn nữa, tường thuật sử dụng của Vermeer ít được xác định, để lại chỗ cho trí tưởng tượng của người quan sát phát huy tác dụng. Arthur K. Wheelock Jr. đã chỉ ra một cách chính xác rằng các bức tranh của Vermeer về cơ bản là “thơ” hơn là “tự sự”.

Hội họa 

Trong truyền thống hàn lâm châu Âu, mỹ thuật là nghệ thuật được phát triển chủ yếu để thẩm mỹ hoặc cái đẹp, phân biệt nó với nghệ thuật ứng dụng cũng phải phục vụ một số chức năng thực tế, chẳng hạn như đồ gốm hoặc hầu hết các đồ kim loại.

Trong lịch sử, 5 loại nghệ thuật chính là hội họa, điêu khắc, kiến ​​trúc, âm nhạc và thơ ca, với nghệ thuật biểu diễn bao gồm sân khấu và khiêu vũ. Ngày nay, mỹ thuật thường bao gồm các hình thức bổ sung, chẳng hạn như phim, nhiếp ảnh, sản xuất/ chỉnh sửa video, thiết kế, nghệ thuật tuần tự, nghệ thuật khái niệm và sản xuất in ấn. Tuy nhiên, trong một số viện nghiên cứu hoặc trong các viện bảo tàng, mỹ thuật và thường là thuật ngữ mỹ thuật, chỉ gắn liền với các loại hình nghệ thuật tạo hình.

Cho đến khi Phong trào Thủ công & Nghệ thuật Anh vào cuối thế kỷ XIX, có một sự phân biệt cứng nhắc giữa mỹ thuật (thẩm mỹ thuần túy) và nghệ thuật trang trí (chức năng). Trong thế kỷ XX, với sự ra đời của loại hình nghệ thuật tạo hình, sự phân biệt tùy tiện này đã trở nên mờ nhạt, và một số nghề thủ công hoặc nghệ thuật trang trí (đặc biệt là gốm sứ) hiện được coi là mỹ nghệ.

Năm giác quan của con người - vị giác, khứu giác, thị giác, thính giác và xúc giác - thuộc về một trong những chủ đề đa dạng nhất và hấp dẫn nhất của hội họa châu Âu. Năm giác quan ban đầu được đại diện cho hai cách cư xử, đầu tiên sử dụng năm loài động vật khác nhau cho mỗi giác quan khác nhau nhưng sau đó sử dụng năm vật thể khác nhau để giữ các vật thể quan trọng – một chiếc gương cho Thị giác, một nhạc cụ cho Thính giác, một bông hoa cho Mùi, một trái cây cho Vị giác và một đàn hạc cho Touch. Cách thứ ba bao gồm mô tả thực tế của các cơ quan liên quan đến từng giác quan cụ thể. Trong khi ở thời Cổ đại và thời Trung cổ, các giác quan có ý nghĩa tiêu cực, bị coi là lừa dối hoặc khuyến khích tội lỗi, nhận thức của các giác quan đã thay đổi với sự phát triển khoa học ngày càng tăng của tư tưởng vào thế kỷ 17 và bắt đầu được thể hiện trong các phương thức ngày càng đa dạng. đa dạng từ các cảnh thuộc thể loại cuộc sống thấp phổ biến đến các cảnh tường thuật phong phú, tĩnh vật và bức tranh lịch sử cao cấp. Ví dụ, mỗi hình vẽ Theodoor Rombouts + của chủ nhân Flemish tượng trưng cho một trong năm giác quan. Ông già với cặp kính và chiếc gương đại diện cho Sight. Chitarrone, một loại đàn bass, là viết tắt của Sound. Người mù được tượng trưng cho cảm giác của Cảm ứng. Người đàn ông vui tính với ly rượu trên tay miêu tả Vị giác, và người đàn ông trẻ lịch lãm với một cây tẩu và tỏi, Mùi. Tỏi, rượu vang, âm nhạc và tấm gương đề cập đến sự ngụy biện của nhận thức cảm tính và tính ngắn ngủi của cuộc sống.

Nguồn: http://www.essentialvermeer.com/glossary/glossary_d_i.html

Biên dịch: Hưng

Biên tập: Trang Hà